《中国少数民族艺术研究史（1900-1949）》主要研究20世纪上半叶中国少数民族艺术研究的历史演变，在广阔的社会背景下，在复杂的社会文化思潮中，通过梳理1900-1949年间有关中国少数民族艺术研究的理论与实践，廓清其发展脉络，总结其成就得失，从一个侧面揭示中国少数民族艺术研究走向现代化的途径和特点。《中国少数民族艺术研究史（1900-1949）》首次对20世纪上半叶中国少数民族艺术研究的历史进行系统的回顾与总结，呈现出一个较为完整的分析框架，能够为今日的中国少数民族艺术研究和学科建设提供有益的借鉴。

《批评之后：对艺术和表演的新回应》探索的是紧随视觉艺术实践的戏剧性转向和大约过去十年涌现的施行性艺术书写而出现的寻求批评力量重生的当代方法。批评最近显然陷入了困境之中。要么认为商品化已将其置于死地，要么就认为它已经落入体制化的窠臼。《批评之后：对艺术和表演的新回应》涉及的论题包括艺术史的表演：论及厌烦、困惑以及其他关注（或疏忽）“同性恋”形式的批评的逻辑；呼应审美体验时探索书写过程的重要性。将艺术史、表演研究和视觉文化等领域的新作品与当代艺术家的写作放在一起，《批评之后》提供的这些实验性的文章论证了批评在当代文化中是如何作为至关重要并卓有成效的力量而存在的。

艺术是什么？首先它是被创造出来的。它是一种进步的象征。在压力下的动力，在生活中它让所有的生物突破常规。通过艰苦努力过程和充满创新的思想互相结合演变为以后的神奇，从而创造出一副出众的艺术品。从根本上说它是被一种求生欲所激发出来，它是优胜劣汰的产物。每个人都会发现很多“艺术品”，而且每个人的标准也都不一样，那到底什么才是艺术？当人类双脚落地的那一瞬间，他就充满了好奇心，当他的好奇心得到极大满足而除了用神奇之外无法形容面前的景象或事物时所表现出来的效果就是艺术感已经在逐渐形成了。通俗的讲：东西是死的，人是活的，当人通过东西来表现出他的思想或才能的时候，他就是在创造艺术。如果创造的结果给予大众以完美感“视觉满足或听觉享受”那就是一件绝对的艺术品。本书从书法、绘画、建筑、服饰、民间传统工艺等多方面地展现了中国艺术的魅力，让青少年在阅读中受到传统艺术的熏陶，提高自己的人生品味。

《中国当代艺术年鉴》记录变量，不记录常量。它不是美术界的当年活动总结（中国美术大事记编委会编有《中国美术大事记》），也不是分门别类艺术的年度记录（中国艺术研究院准备编《中国美术年鉴》），而是对中国艺术正在进行的实验、探索、创新和遭遇进行调查和整理，以年度为单位，客观地记录事实，并对各条记录进行核实、简明描述和对照索引，使当代艺术的变化得到显示，进而努力揭示各个重要事实之间的关联和意义，记载中国的现代化过程及社会思潮、文化现象和当代人对其作出的最敏锐的创造性反应，同时标示艺术对现代化过程的推动和反省的作为。

中国的传统音乐与舞蹈除具有独到的历史价值和艺术价值外，在解读、研究中国古代及近现代社会生活方面，也具有一定的参考价值。《乐舞语话》以上、下编的方式将音乐与舞蹈作分别撰述，共设“民间音乐”、“宫廷音乐”、“宗教音乐”、“民间舞蹈”、“宫廷舞蹈”五个章节。

鲁道夫·阿恩海姆是20世纪最伟大的美学家，艺术心理学家之一，他在美学、艺术心理学、艺术教育、建筑以及传媒方面都做出了具有开创性的贡献，尤其对视知觉形式的研究，已经成了美学和艺术理论的重要资源，《阿恩海姆视知觉形式动力理论研究》将阿恩海姆视知觉形式动力理论把握为其视知觉形式理论的核心和支柱，揭示了视知觉形式的“完形倾向”是一种动力机制，这样就导致了对阿恩海姆视知觉形式理论一个全新的理解，并据此重新阐释了视知觉形式建构的基本机制，这种研究方法和角度，在国内研究阿恩海姆美学思想以及西方心理学美学中，无疑是独特、新颖的，把这一领域的学术研究推向了新的高度。

《张道一选集》是张道一艺术理论文集，书中具体收录了：《炉火正旺——祝三博士抟埴升华》、《民间美术的二分法》、《非物质文化遗产议》、《为时代造像——吴为山雕塑“文化名人系列”》、《本是同根生——艺术与科学纵横谈》等文章。《张道一选集》适合从事相关研究工作的人员参考阅读。

艺术感知能力的培养从生活中来！艺术教育是素质教育的重要组成部分，其重点是启迪，培养青少年的情感、情趣、培养青少年的艺术审美修养。

《外国艺术十六讲》主要是对西方艺术作出梳理、评判和即时的反应，介绍的重点在于各个领域的艺术作品、作者、思潮及其发展规律，而且有意混杂了高雅艺术、经典艺术、通俗艺术之分，注意了当前社会出现的一些显热的小门类，如听觉艺术分成传统音乐、现代音乐、音乐剧；视觉艺术分成古典美术、现代美术、雕塑艺术、艺术设计、建筑艺术；综合艺术分为现代戏剧、电影艺术、纪录片艺术、行为艺术、舞蹈艺术、人类表演艺术、故事艺术。

《艺术管理概论：香港地区经验及国内案例/上海音乐学院艺术管理专业教材系列》有关创意产业的讨论不多。艺术家的创意在当代有市场当然很好，可以通过“产业化”获得利益；但古往今来却有不少具艺术价值但在当时却没有市场价值的作品，例如梵高的作品在他生前并不受欢迎。还有一些现时在商营艺术市场上很成功的艺术家，每年特别抽出一些时间替“非营利”艺术机构做“前卫”或容许他们自由发挥的作品，或者到学校做艺术教育工作，都提醒我们“非营利”艺术机构的存在价值。