近年来，文化产业在全球范围内的凸兴已是一个不争的事实。在此背景下，数字艺术产业也取得了可观的发展。与发达国家和地区相比，我国海峡两岸的数字艺术产业都起步不久，尚未形成巨大的效应。不过，近年来海峡两岸都出台了很多关于发展文化产业的政策，这为数字艺术产业的勃兴创造了机会。本文所说的数字艺术，是指以数字媒介为生产、传播和接受工具，实现了以“0”和“1”为编码与解码原则的艺术；其产业化受惠于大众文化、消费文化在全球范围内的风靡与流行。从社会定位来讲，数字艺术产业是文化产业的一个分支。就表现形态来看，数字艺术产业主要有七种形式，即：互联网艺术产业、手机媒体艺术产业、数字电影产业、动漫产业、数字电视产业、游戏产业、DV艺术产业。本文主要就前面四种数字艺术产业进行比较研究。其中，对互联网艺术产业和手机媒体艺术产业的分析分别以网络文学和短信文学的产业化为重点，而对动漫产业的分析则主要以动画片的生产为重点。大体来看，海峡两岸数字艺术产业存在下述相似之处：在艺术生产方面，主题、风格及产业模式均存在“叙事”趋同倾向。在艺术传播方面，存在接受同步情况，一是指数字艺术在媒介的帮助下，在“第一时间”、以“第一现场”的形式在两岸同步传播；二是指境外的数字艺术在海峡两岸同步传播。在艺术接受方面，存在“消费共鸣”现象。比如，李安导演的《卧虎藏龙》，张艺谋导演的《英雄》在两岸都获得了高票房的收入，引起了广泛的共鸣。诚然，海峡两岸数字艺术产业这三种相似之处是各种因素综合作用的结果。以“叙事”趋同为例，它既是全球化背景下“叙事”趋同的体现和反映，也与数字艺术的产业化操作有关。不过，总的来看还是受媒介影响的结果。比如，两岸手机短信文学语言的诗性特征，从根本上来说是受手机媒介限制、影响的结果，即每条短信只能发送70个汉字。又以“接受同步”为例，它的出现也与很多因素有关，比如防盗版、防泄密的需要等。但是，以互联网为代表的数字媒介的应用才是问题的关键。同样，“消费共鸣”的出现也是各种因素综合作用的结果。不过，文化是一个很关键的因素。因为，从接受美学的角度来看，两岸数字艺术接受过程中共鸣的产生，与两岸人民具有相同的文化心理结构这一事实具有不可分割的联系。一般而言，受众的文化心理结构相同或相似，就比较容易产生心理上的共鸣。本文认为，海峡两岸之间的任何比较研究，无论是政治、经济方面的比较研究，还是文化、艺术方面的比较研究，都应有一个历史启示和归宿，即我们应在探讨相关论题历史渊源和发展现状的基础上，为两岸之间的交流与合作提供有意义的分析和借鉴。毕竟，在海峡两岸交流日趋频繁的今天，走向融合和统一已是大势所趋，学术的研究也应该履行共同的民族职责和使命，为创造一个和平、繁荣的中国而努力。因此，本文最后从全球化的角度简要阐述了两岸数字艺术产业交流与合作的重要性，它包括资金、技术、人才培养等方面的内容。

本书内容涵盖：文学常识部分：中国古代文学、中国近现代文学、外国文学；文艺常识部分：音乐、戏剧、戏曲、摄影、电影、广播电视艺术、舞蹈、美术、雕塑、书法、篆刻;中国文化常识部分：中国传统思想、中国传统美德、中国文物、中国古代建筑、中国工艺美术、中国民俗、中国人的生活等。

精神的向下运动，以及民族文化见识的曰益趋低，是当代中国负面的真实写照，以此为背景的中国当代主义艺术，非常真实地反映出了时代的这种精神形象。这实质上是一种人的物化和人的异化的社会镜象，但这并不是社会生活的全部。的确，我们所处的时代是一个社会的大转型时期，在这个关口，原有的社会规范、精神文化、道德规范都被“解构”和丢弃了，与传统文化和传统相适应的艺术精神和艺术法则，也自然的要与新的历史阶段相抵触，古贤所说的“礼失而求诸野”，就是当代主义艺术产生的前提。当代主义艺术，实质上就是“求野”的文化再造和人的本真愿望的形式诉求。米兰-昆德拉说：文学是道德延迟审判的领域。现当代艺术的评价也适应米兰·昆德拉的这一命题，因此中国当代艺术真实的表达、激情的宣泄是其最可宝贵的东西。当代批评首先应做的事是分析。其次还是分析，至于道德审判就留给历史老人去做吧。那么当代艺术是否可以出现一种“表征着人的崇高走向”的表达方式呢？我想这是可能的，事实上我们在某些当代艺术家的作品中已经看到了端倪，只是这样的作品和这样的当代艺术家少了一些。因此，我们在中国当代艺术中，尤其应该呼唤那些注重艺术与人生、文本与历史、艺术与权力话说、努力将形式与传统母题重新整合，并与历史性的方法重新统一起来的当代艺术，从而使艺术告别解构主义独标异说的差异游戏，向构建意义和价值的可能性回归。《中国当代艺术文献2008》汇编了二百余位在本年度颇为活跃的艺术家。作为一本画册，不可谓不多，但如果将这个数字与中国当代艺术的现状比较，还只是一个很小的部分，所以遗珠之憾在所难免。然而只要看一下名单，我们就会发现它还是大致能够表征这个年度的中国当代艺术面貌的。从根本上说，当代主义艺术都首先是形式主义的，他们几乎都是从形式颠覆入手而进入文化反抗和精神批判的。但是以代际分析的方法看，每一个时代的艺术家在形式的后面都有着不同的诉求和方向。以方力钧、王广义、刘晓东等为例，在他们的形式（或语言）之中，精神的诉求对社会干预的激情一直是很明显而执著的，也就是说他们一直在形式中探索包含着意义的诉求。“人是一种追求意义的动物。”但意义不能被放大，而成为“意义之网”，陷入意义之网的人，就是被异化了的人，因为人在这里，丢掉了自己。事实上一个在文化精神上自觉的当代艺术家，他始终是为了建构某种意义的，而他们之中的出类拔萃者，所提示出的意义，可能就是一个时代的寓言。

“文革”结束之后，北京成为新时期中国美术发展的思想策源地和美术创作的重镇。压抑了十年之久的北京美术界思潮涌动、风雷激荡，各种思想、观念、画会、画展、创作等美术活动如雨后春笋般纷纷涌现。老、中、青三代艺术家在和煦的春风中焕发出勃勃生机，构现出异彩纷呈的新时期北京文化艺术景观。成立于“文革”后的中国美术家协会北京分会，在推动北京美术发展中发挥了举足轻重的作用，成为新时期北京最重要的美术活动中心之一。当看到一些来华的外国游客开始收购艺术作品时，出于社会和历史的责任感，北京分会争取到了市政府颇为有限的收藏资金，从1982年开始，陆续从全国和北京市美展中收藏优秀的作品。整个20世纪80年代，北京分会利用有限的资金收藏的中国画、油画、版画、雕塑、水彩、水粉、连环画、年画、宣传画、漫画等作品达千幅之多，其中包括吴冠中、蒋兆和、罗工柳、李苦禅、白雪石、潘絮兹、张仃、古元等著名画家的作品，以及一批中青年画家的优秀作品，如今他们都已经成为美术各领域中的领军人物。北京分会的收藏经费虽然微薄，然而这个责任之举却对当时画家的创作起到了不小的鼓励作用，有力地推动了北京美术力作及新秀的出现，同时避免了一些优秀的作品流向海外。今天，我们回顾这段历史，北京分会的收藏举动更是显示出异乎寻常的历史意义。这些作品成为8。年代北京乃至中国美术发展的一个个清晰的脚印，为北京美术发展的历史保存了最好的可信之物，同时成为我们今天回顾和研究这段历史的极为珍贵的图像资料。

《泉壑澄怀》这本画册是山东淄博市美协副主席，中国艺术研究院访问学者杨子江的个人美术作品专集。书中由作者精选出一百三十多幅作品，分国画、紫砂、瓷器三部分组成。杨子江的画风属于文人画风格，以书为骨、以诗为魂、清和蕴藉、隐逸高远。能使读者感受到“用笔千古不易”的穿透时空的力量，感受到负载着文化品格的笔墨的永恒。

《绘事心语》一书收集了我近五年内的文稿，其类型可分五类：一为采风感受，文稿以散文的形式对所见所闻进行了全方位魄记枣；二为风情研究，文稿以绘画的视角对渭北一带人文风情白勺_调查与分析；三为细画艺术研究，文稿以论文的形式对绘画艺术之中所涉及的观念、思维、方法进行了一系列的探讨；四为艺术教学研究；文稿以论文与讲稿的形式对艺术教学中所遇到的问题进行了尝试性的探索；五为心灵独自，文稿以日记的形式，自言自语：我画我说，真实地表达与记录了当时的心境、人生的感悟以及绘事的体会……全书图文并茂，较为全面、真实地反映了我近年来于无声处的生活状态与艺术收获。

改革开放以来的30年，中国人民以波澜壮阔的创新实践，谱写了中华民族自强不息、顽强奋进的壮丽史诗，促使中国面貌发生了历史性巨变。同时，改革开放也激发了当代中国美术繁荣发展的活力。30年前，中国美术从“极左”文艺思潮的禁锢中、从10年“文化大革命”的桎梏中走出，沐浴着改革开放的春风，理论界解放思想，学术争鸣空前激越；创作者更新观念，艺术面貌异彩纷呈。改革开放30年成为中国美术发展史上最为特殊、也是极其重要的阶段。 为回顾30年中国美术发展的历程，展示30年中国美术创作的成就，我们编辑了这本《改革开放·中国美术30年》画集。

《批评家（2008年12月刊）（总第2辑）》是第2辑《批评家》，收录了《对新出平面美术媒体的思考》、《艺术传媒的商业化与质量问题》、《今天我们为什么依然要喜爱当代艺术？》、《暧昧的“现实”》、《艺术批评的另一种理论取向：情境分析》、《评》、《评》等文章。

《蜕变：鲁虹艺术批评文集》，尽管批评家们使用的方法各不相同，但大致可以分为两类：一类是按照传统标准对特定作品进行分析、研究与评介；另一类则是根据特定作品与历史以及现实的关系去探寻新的标准，然后再进行分析、研究与评介。我的批评应该属于第二类。支撑我的前提是我一直认为：首先，我们身处的时代是一个文化转型的时代；其次，一切有使命感的、敏感的艺术家都在自觉地探索自己的艺术新方向。这也是我将《蜕变：鲁虹艺术批评文集》命名为《蜕变》的根本原因。在具体的写作过程中，我比较注意从图像的角度切入。具体地说，一方面，我希望运用“情境分析”的方法探讨特定图像与历史、现实的特殊关系，进而理解作品的意义。另一方面，我还希望通过具体的形式分析去探讨新艺术趣味的价值所在。在我看来，观念与形式应该是同一的，仅仅从一个角度去谈总会显得十分勉强。实际上，这种方法也支配着我近些年来的策展思路。斯洛文尼亚学者阿莱斯？艾尔雅维茨在他的著作《图像时代》中敏锐地指出，长达半个多世纪的语言学转向已经被图像转向所取代。我完全同意他的看法，并认为，图像转向正是文化转型在艺术上的体现，而这与消费社会及电子媒体的出现有关。一个批评家如果不意识到这一点，就很难对新的艺术作品作出恰当的学术判断。

日本，一个充满“对比”的国度——古老而时尚，宁静而喧嚣，空虚而充实。佛教在传入日本以后的几百年来，已经成为日本艺术的灵魂，深刻影响着日本艺术的方方面面。从独特别致的建筑格局与园林设计，到风味独具的茶道与歌舞会表演，日本在有限的空间里，沉潜出无限无边的生活真味，展现出一种大自由与大自在。