《古代画家的日常：传统中国艺术家的工作与时日》是中国美术史学家高居翰（James Cahill，1926-2014）1991年受纽约哥伦比亚大学版普顿（Bampton）讲座之邀所发表的演讲稿件，后整理成书。没有了讲演形式的时间限制，本书文字部分已经大大地扩展。本书作者潜心研究中国艺术几十年之久，出版了许多关涉中国古代艺术的重要著作。本书作者指出：中国传统文人关于中国画的“本土记述”，创造了围绕他们主题的神话，生发出一些隐而不发的论题。而作者开始探索中国古代画家的日常，避开神话，改变对中国画的解读，特别是那些关于创作环境、艺术家意图，以及画作原始意涵与功能等方面的推论。本书将继续沿着这一方向并试图收集多种来源有关中国画“难以言说之事”，探讨画家们如何谋生与从事其艺术的问题。本书分为四个部分，分别是“调整我们对中国艺术家的印象”“画家的生计”“画家画室”“画家之手”，并附有详细注解与索引。本书实为国外艺术研究者解读中国绘画的精品之作，读之耳目一新，深受艺术启发。

这是一本零基础商业插画入门教程，一共分为三大部分：绘画基础篇、动物篇、人物篇。绘画基础部分讲到了：绘画的基础知识和软件操作的实际应用技巧。动物篇的部分讲到了：宠物系动物的画法、拟人系动物的画法、学会画动物场景、线条涂鸦风格动物的变换画法。人物篇的部分讲到了：人物角色的设定、人物角色的设计、学会画带有人物的场景、多样风格人物的画法。这本书做到了从入门到基础，从基础到提高，从提高到实践，从实践到商业，由浅入深、循序渐进地去教会你作为商业插画师的经验和技巧。随书附有电子笔刷等赠品，使学习更加轻松有趣。

宋代，不只有插花、挂画、焚香、点茶。 传统美学的背后，潜藏了无数接地气的日常琐碎。 《画里话宋》将文献与绘画相互印证， 大量宋画细节图放大分析，有图有真相， 全方位呈现真实有趣、生动鲜活的宋代。 那些散落在典籍文字里的生活，变得可观可感， 让人更容易读懂大宋王朝的潮流民生与文化自信。 不妨一起看画，看宋代，看人生。

《上海艺术发展报告（2012—2022）》在系统研究的基础上，对新时代十年上海文化领域进行了多维度、多层次、多角度的探究，这些领域涵盖了美术、音乐、戏剧、戏曲、舞蹈、影视、建筑、非遗等，构成了一幅从时代出发描绘上海都市文化成就的当代“全景图”。这一画卷，尤其敏感捕捉了十年间上海文化艺术领域出现的新潮流、新趋势、新现象、新热点，并对此进行理论化和专业化的分析与阐释。这不但为上述领域提供了兼具理论性和应用性研究成果，同时为政府文化部门提供了相应的数据支持、专业分析以及意见建议。

本书以对谈的形式，将武艺的成长之路、充满禅意的艺术创作和丰富的艺术思想生动地展现给读者。书名《淡淡的我》取自第五章的小标题，也传达出西川在解读武艺作品《先贤像传》时的独特视角。全书分“尺幅·书本意识·印刷品”“功夫·前辈们”“道具般的小物件”“旅行·中国人的平面感·一个‘色’的皮肤”“淡淡的我”五个章节，对谈内容从画家武艺幼年接触绘画到如今从事艺术创作几十年的丰富经历，映射出中国现代美术的发展进程，画家每一时期作品的不同风格的背后是中国社会急剧变革的缩影，这种生命力是在以往任何时代所不具备的。

《变动时代的安身立命——基于黄宾虹的“避地而居”展开的考察》是针对黄宾虹所做的研究，全书分为他者认同：“知识”的黄宾虹——百年来黄宾虹研究的学术史回顾，“避地而居”——基于黄宾虹北平之行的知识生产，“人的历史”——黄宾虹“避地而居”的心理机制探究，“南返”话语中的“归与不归”——不同语境下黄宾虹“避地而居”的合法性的建构，以及结语：黄宾虹个案研究的价值与反思等部分，认为黄宾虹作为历史主体是被不断建构的，研究主体在解构以往的历史主体中又重新塑造了历史主体，同时也形塑了研究主体。

本书从“新美术馆学”的概念确立与结构梳理开始，结合作者任广东美术馆、中央美术学院美术馆、广州美术学院美术馆馆长的经历与在理论、管理上的践行，形成了一部兼具高度与维度，且富含诸多实际问题解决方案的行业之书。全书共收录文章15篇，从美术馆的收藏、展览到教育、出版，从知识生产到文化精神，从介入乡建到文化策略，关注到了美术馆当下实操到未来发展的方方面面。这些文章既有理论分析，也有实践案例，饱含诸多的真知灼见。特别是“新美术馆学”概念的提出，对于美术馆理论层面有着更进一步，甚至是超越当下的思考，并生发出与跨文化理论互动互为的新观点，非常有针对性且具有现实与未来意义。

“美育简本”是福建美术出版社精心策划的一套普及型大众美育图书。本书以问答的形式，将中国书法的起源、发展、流派以及具有代表性的人物等进行系统的梳理，从中精选出100个问题，进行简明扼要的回答。每个问题配以一至二幅相对应的图片，图文并茂，让读者轻松、直观而全面地了中国书法的基础知识。图书内容力求广视角、长跨度，并且结合历史背景介绍中国传统书法艺术，让书法艺术穿越时间的迷雾，正式但不枯燥地展示在每一个读者面前。

本书是19世纪重要的造型艺术理论著作之一。阿道夫•希尔德勃兰特提出了一个以古典时代遵循的艺术规则为基础的审美体系，通过“视觉与运动”“形式与形相”“空间观念与视觉表现”“平面观念与深度观念”“浮雕观念”等角度探讨了绘画和雕塑中的形式问题，试图展示并论证艺术自身的规律。本书讨论的是造型艺术中核心也富争议的问题，具有典型的代表性，直至今天仍是研究者和创作者的有益读物。瑞士美术史家沃尔夫林曾称赞此书“像久旱土地上一场凉爽清新的甘霖”。

装置艺术的魅力在于它的实践性，职业的装置艺术设计师，怎样理解灵感和捕捉艺术瞬间，怎样理解包括绘画、雕塑、音乐在内的各种形式的作品，因为实践性而往往具有更强的说服力。这是一部个人化的艺术叙事作品，来自纽约Fashion Institute of Technology 这所世界前五的时装设计学院的美术系主任赵穗康。个性化的叙事，一如书名“拾穗”表达的，作者捡拾自己散碎的念头和艺术体验包括人生经验，然而正是学术理论之外的内容，往往决定了设计师的格调、品位和风格。全书大体讲了视觉艺术的迁衍、绘画和音乐作品中神视的眷顾、反思“艺术”教学，以及生活本身四部分，所以本书的副标题是：艺术，创作，反思，自己。副标题连起来很像一句话：在艺术创作中反思自己，或者反思自己的艺术创作，或者反思艺术创作中的自己。“自己”，在作者的叙述语境下，是个体的本能。所以，这是一本看上去没有主线的艺术论集，但，你会懂。