《中国美术发达史》，根据中国美术门类的特点，将每一个朝代的美术分雕塑、建筑、绘画和书法四大类进行叙述。采用美术作品和文献典籍相结合的研究方法，在论述古代美术有关内容缺乏遗物考证时，则以典籍著录为依据进行补充，并对典籍中相关内容进行严密的理智分析。在中国现代之美术史学科建设中，有其独特的学术价值，是20世纪40年代重要的美术史著述之一。

《北大艺术评论》由北京大学艺术学院主办，系以艺术学科所包含的各学科领域的研究为主的纯学术性学术集刊，每年两辑，设专论、焦点话题、艺术学前沿、各体艺术评论、艺术史研究、书评等栏目。《北大艺术评论（第2辑）》依托北京大学深厚的艺术人文资源和悠远的艺术教育、艺术研究传统，联系国内外艺术学科的知名学者和学术新锐，立足史论，倡扬积极介入的当下批评实践，推介新的艺术学学术成果，激发跨学科跨文化的交流与对话，以促进艺术学学科的理论建设和批评实践，并以此探索“道”与“艺”、学与思的融合，建设有中国特色的艺术学学科体系。

《美学与对世界的当代思考/复旦中文系文艺学前沿课堂系列》内容主要是德国著名美学专家沃尔夫冈·韦尔施（Wolfgang Welsch）教授应复旦大学中文系之邀，在复旦大学开设的八次课程的讲稿集。课程主要关注当代美学理论如何与现实的艺术经验和审美经验相结合，旨在重新考察人与世界的关系，并尝试对传统的艺术本质论进行跨越和突破，涉及的主题包括德国古典美学、人类学美学、美学的演化论维度、音乐美学、艺术创作以及跨文化美学研究。

本书为国内第yi本系统研究美国知名纪录片制作人迈克尔？摩尔的专著。在呼吁社会改革的层面上，摩尔具有极大的影响力和话题性。他将社会热点和政治争议融入充满自反性和挑拨性的个人论断式叙述风格中，以讽刺性、娱乐性的展示方法，以及多渠道素材来源的拼贴方法，创造了一种新型的“示教”式纪录片，为纪录片史贡献了一种新的美学形态，也让纪录片传播完成了商业化转型。作为一个文化偶像和充满攻击性的行动者，摩尔提供了从媒介影响力角度考察社会功能、社会结构和社会问题的新视点，深化了媒介从业者的社会责任，并扩展了“主观性”这个纪录片创作基础性问题的外延。在互联网＋时代中，他塑造了一个不同于传统资产阶级公共领域的新型跨媒介公共领域。然而，这个公共领域具有极大的迷惑性和欺骗性，其本质无非是在主流意识形态许可范围内对“异见”的有限疏导，对社会矛盾的治标式维稳，因此也无法解决美国执政两党以民主、自由、平等等话题麻痹国民，实质为顶层金融财阀全球霸权诉求服务的真相。

活在历史中的齐白石，是幸运的。生不逢时，死得其所。活在文字间的齐白石，是不幸的。青灯黄卷，任人涂抹。 他本只想成为隐逸山林的陶渊明，未承想名画师、老教授、人民艺术家扑面砸来。老天爷不仅赏饭，还赏碗。 后来者所津津乐道的传奇，往往是他白纸上的天才，市场上的天价，却没有多少人深究天才背后的经历，天价背后的付出。 本书所呈现的，是一个有血有肉有情感的北漂老人所遭遇的辛酸荣辱、浮华苍凉。借此勾勒出一个波谲云诡的大时代下，大匠之门何在、大匠艺事何为、大匠之心何所思。

绘画风格、思潮和流派的演变，离不开画家们的实践，假如说风格、思潮和流派在画史上是不断延续着的块面，那么，每个有影响的画家则是点，它们的连续便是线。因此阅读画家们的传记，对读者全面、深化地了解绘画历史是很有帮助的。本书列选了100名对中国美术发展进程做出过重要贡献的画家，对他们的生平、创作道路、创作风格、奇闻趣事、所属流派，以及对后世产生的影响、在美术史上所居地位给予了全方位的评介，对他们的主要代表作品进行了图文并茂的认真点评。从某种意义上讲，美术发展史就是美术家的历史。 本书不仅内容丰富，可读性强，而且行文朴素，雅俗共赏，这对广大读者能在短期内了解中国绘画有很大帮助。中央美术学院前任院长潘公凯曾评价该书“如果大家读了能喜欢并觉得有所收获，作者的努力也就值得了”，中央美术学院教授邵大箴则评论“本书选择的画家很确当，作者在介绍这些画家的生平和创作时，既注意交代历史背景、时代文化氛围和他们的师承关系，又重视对他们创作个性的分析，通过平实而生动的文字描写，传播美术创作和美术史知识，阐述艺术规律和艺术发展原理，是一本适合美术家和爱好美术的广大读者阅读的好书”。该书具有较高的社会效益，有利于提升广大读者的艺术鉴赏水平和审美趣味，是优秀的大众文化普及读物。

“生态艺术”是中国当代美术发展史当中一个极其重要的思潮与现象。20 世纪 90年代以来，随着全世界范围内的生态思想与环保运动的持续深化，中国当代生态艺术和生态主义倾向的艺术创作日益高涨。中国当代生态艺术中开始出现了批判环境异化、尊重动物权利、克服无限发展欲望、重建人与自然和谐关系、环境公正等多重视觉主题。进入 21 世纪以来，“生态文明”问题引起了我国政府的高度关注并最终上升为国家发展战略。本书原是教育部人文社会科学研究 2012 年度课题项目。在课题执行的 3 年过程中，本书主编在当初的课题框架之下，吸收最近几年生态学和生态批评领域的*新的一些思想成果及中国当代艺术家们的*新创作成果，经过反复思考及讨论，确立了最终的写作大纲及方案。本书作为《永恒的原乡：中国当代生态美术研究》的修订版，仍由两位主编共同提出基本思路、总体框架和写作大纲，然后与团队其他成员一起相互紧密合作、分头撰写，并最后统稿。

《中国美术研究》由华东师范大学艺术研究所创办。作为美术学研究的专业科研单位所主编的专业学术研究系列，该出版物本着学术至上的原则，精心策划艺术专题，邀请国内外知名专家和学术新秀撰写稿件，立足于对中国美术学科开展全面研究，介绍较新的学术理论研究成果，展示优秀艺术作品，在学术界取得了一定的社会影响力。

伟大的艺术家以其精湛技法创造了让人叹为观止的作品．但它们瑰丽的色彩却常常令当代读者迷惑不解。那些迷人的图画讲述了什么故事？画中表现的人物是谁？画面背后又隐藏着怎样的深刻含义？莎拉·凯尔-戈蒙撰写的这部详细的指南引导我们去认识艺术史中的关键人物，了解构成西方美术作品的主题、事件、象征等要素。本书收入75幅世界名画，时间跨度长达7个世纪，囊括了从中世纪到20世纪的绘画杰作。本书按主题分为五章：古典神话和传说．*经故事与基督的生平，圣人与神迹，历史、文学与艺术，象征和寓言。每一章的前半部分集中展现著名的西方美术作品，并配以说明性文字，深刻分析作品所描绘的人物与象征。第二部分进一步挖掘作品所表现的主题，并另辟专栏，以“花絮”的形式详细介绍画中的主要人物，互相参照，使这些油画作品更具欣赏价值。

西方艺术长期追求对完美身体的视觉化。如今，碎片组构而成的或单一模型衍生的理想化白人异性恋身体已陷入危机。但取而代之的又是怎样的身体呢？我们困惑于从革命时期法国到当代纽约的各种身体图像。而在本书中，尼古拉斯·米尔佐夫对这样的困惑进行了追本溯源的探究。他讨论到，身体再现总是受政治和文化认同危机的形塑，远非成为一成不变的圣像那么简单。 本书所涉艺术家众多，包括达·芬奇、普桑和马奈这样的绘画大师，也包括朱丽亚·玛格丽特·卡梅隆和保罗·斯特兰德这样的摄影家，还有辛迪·舍曼、奇奇·史密斯和南希·斯佩罗这样的当代艺术家。米尔佐夫这一极具启发性的研究展现了他们作品中身体的核心地位。 从大卫的油画到“越战”纪念碑，米尔佐夫探讨了对种族、国族、性别、性态和技术的思考如何反映在对身体和政治身体的再现之中。进一步，从安格尔到毕加索和麦当娜，米尔佐夫考量了圣母的理想形体。加诸他者身体的种族视觉烙印，使理想的西方身体成为可能。从比属刚果的纪实摄影到让-米歇尔·巴斯奎特的艺术创作，这种种族化实践的影响，以及由此产生的抵制，得到了深刻体现。