帕梅拉·霍华德的《什么是舞台美术？》扩展了作者关于舞台美术的完整分析，它包含空间、文本、调查研究、艺术、演员、导演和观众七部分，验证了21世纪舞台美术本质的变革。《什么是舞台美术？》包含了帕梅拉·霍华德瞩目的职业生涯中近十年来创作的新作品的前期资料研究，包含《卡门》和《夏洛特：三原色音乐剧》，还有她近期作品的彩图和来自更大范围的当代戏剧制作人的新评论。《什么是舞台美术？》除了专业戏剧设计师外，还适合舞台美术和戏剧设计专业的学生。

这套系列丛书是以研究、翻译和介绍20世纪涌现的***戏剧大师的表演方法和相关理论为主要内容。将这些表演方法和相关理论引进国内，是基于对国内表演艺术发展现状的认识所做出的努力。我国的戏剧和影视表演的根基和传统是斯坦尼斯拉夫斯基体系（以下简称为斯氏体系），这套体系在20世纪50年代由苏联专家带进中国，此后的70多年里，一代代戏剧、影视工作者在斯氏体系的严格训教下成才。斯氏体系的系统性以及它在整个表演史上的影响力，尚无其他表演方法所能企及，这自然而然地让我们认为该体系是毫无瑕疵和永不过时的，加之该体系属纯粹的“舶来品”，这又使我们总是缺乏对其客观审视的底气。多年来，我们忽视了该体系创立的那个年代，心理学、生理学还处在较为初级的阶段，也忽视了全世界的演剧方法和表演训练手段在斯坦尼斯拉夫斯基之后的长足进步，更忽视了在创作实践中，单一运用某一体系已不能适应当代戏剧和影视的多元化需要的现状。斯坦尼斯拉夫斯基在他艺术生涯的晚期对体系有了新的思考，他提出了“形体动作方法”（Method of Physical Actions），想纠正体系过分强**理技术的偏颇，弥补体系在外部表现方面的缺失，可惜，最终他未能实现愿望。本系列丛书分为训练教程、理论文集、训练访谈和译介等几个部分。训练教程根据大师本人或大师亲传弟子的课堂教学整理而成；在每位大师课堂里，我们都安排研究者进行实地观察和研究，撰写论文形成理论研究文集；我们还组织采访所有受训者，将训练体悟汇集成册。

20世纪初，西方“话剧”这一艺术样式传入中国，一开始就与中国传统的“戏曲”有了某种程度上的分离，这种分离，与时代和文化的走向有着密切的关联。话剧的引进作为一种新文艺，必然站在革新传统的立场。因而，话剧进入中国，天然似乎就与中国博大的戏曲传统有着分离甚至对立的趋势。上海戏剧学院的前身上海市市立实验戏剧学校在创校时，除开设话剧和电影专业外，还同时以“乐剧”为名开设昆剧、平剧（即京剧）和歌剧的专业，显然，其时已经把话剧与传统戏曲划分为两种不同的戏剧样式了。院系调整后，上海戏剧学院基本上就成为一个单一的培养话剧人才的专业艺术院校了。大致而言，中国话剧从诞生之日开始，大体上遵循的是两种传统，一种是西方话剧艺术的传统，特别是斯坦尼斯拉夫斯基体系的巨大影响；另一种是紧紧扎根于中国民族革命的火热生活的现实主义传统。前一个传统更多的是表、导演人才培养和训练方法上的影响，后一种主要是在创作实践上的收获。

欧仁？？德拉克洛瓦（1798—1863年）的高超画技集提香、委罗内塞、鲁本斯、伦勃朗等人之大成，但他的作品又引领了一种全新而现代的风潮，着重于画面表现，以唤起情感上的共鸣。他被认为是法国浪漫主义画派的开创者，他富有表现性的笔触和他对色彩的研究，对后来的印象派影响深远，而他对异域风情的热情也激发了象征主义运动中诸多艺术家的创作。 本书是关于这位法国浪漫主义艺术大师的全新研究，作者将德拉克洛瓦的生平和艺术放在他生活的迷人而动荡的年代，对其艺术与生平做了精彩的评述。结合德拉克洛瓦的重要作品与诸多文字材料，带领读者探索这个“一面着眼未来，一面回望传统”的浪漫主义灵魂。

神话故事里蕴藏着人类文明的源头，而传奇英雄的形象展现了凡人对于战无不胜、永生不死的强烈渴望，在不同的土地上，神话传说都占有重要地位，有时甚至高于史实。法国资深艺术史学家杰拉德·德尼佐基于美学价值和代表性，为我们挑选出49件绘画作品并进行了深入剖析。我们将跨越多个世纪，漫游五大洲，从古希腊罗马时代的欧洲，到殖民扩张阴影下的美洲大陆。我们既会看到文艺复兴大师拉斐尔笔下屠龙的英雄，也会看到中国道观墙壁上端坐的伏羲，每件艺术品都充满魅力且极具代表性，为人类的传奇故事增添了独特的色彩。

这本文集所谈及的话题，均系当前艺术人类学研究领域的前沿话题，既涉及中西艺术人类学的学术史、定义、理论基础与学术流派、研究视域、研究对象和研究方法等艺术人类学学科本身的问题，又涉及艺术人类学与非遗保护、艺术民族志的写作、艺术介入美丽乡村建设、城市艺术田野、艺术家的身份建构、本土艺术人类学理论建构等前沿理论问题。一个新学科在建构过程中应该正视自身的基础理论问题，这即是贝尔纳·麦凯所言：“科学也应该研究它自己本身”。换句话说就是对于艺术人类学之学的研究，即“元艺术人类学研究”。这是学科发展到一定阶段的必然要求，对于这些问题的研究，既回答了涉猎该学科的研究者所关心的应该具备什么样的知识储备，关注哪些问题，采用怎样的研究范式等一系列的问题，也对艺术人类学的前沿理论思考和理论建构等问题展开了深入的探讨。采取三位学者对谈的方式进行，讨论热烈，行文可读性强，得到了学界的一致好评。这样的探讨对于艺术人类学的研究多有指导意义。

美术教育是现当代艺术教育的重要组成部分，是强化学生素质教育的途径之一，能够激发学生的艺术天赋，培养学生的审美能力，提升学生的内在涵养，锻炼学生的创造能力，有着其他学科教育不可代替的作用。现代艺术思潮在很多学科的教学中有所体现，取得了显著的教学成效，现代艺术思潮在美术教学中的展现和运用，能够有效提高美术教学的效果，本书分别讲解了现代艺术的起源、流派、主要观点以及探讨现代艺术如何更好地运用到教育中，如何更好激发学生的美术潜能，锻炼和培养学生的创造力、想象力和动手能力，促进学生德、智、体、美全面发展。

本书采用古今交错、纵横铺排、史论结合的方法，以中西方具有代表性的艺术节作为典型案例，基于“存在的合理”与“合理的发展”两个重要基点，对现代艺术节展开多角度、多层面的综合性研究。运用历史思维，对艺术节发展的必然进程和内在逻辑进行思考，对中西方艺术节的历史渊源和演变过程进行梳理归纳和历史分期。通过对现代艺术节基本内涵的剖析和主要特征的归纳，把握艺术节与人类生存、城市更新和社会发展的有机联系，从而对现代艺术节多元化的价值功能进行深入分析。运用辩证思维，在大量实例研究的基础上，对现代艺术节多样化的资金来源、多元化的运营模式、产业化的运作机制以及存在的问题进行辩证分析。结合具体案例，从“打造小城镇中的‘大艺术’”、“打造弘扬民族经典的艺术节”、“打造享誉世界的国际品牌”以及“打造雅俗共赏的全民节庆”四个方面对现代艺术节的发展趋势进行案例研究。在理论研究的基础之上，运用创新思维，结合中国的基本国情、时代特点、本土文化，对我国未来举办具有体现中华精神、凝聚中国力量的艺术节提出具有创新性、独特性、时代性、应用性的方向和路径。

本书是一本朗诵艺术实践经验作品集。包含了瞿弦和、张筠英夫妇多年朗诵的100篇作品及二人对朗诵、演播、配音、主持、教学归纳性的10篇论文，本书的中的百篇百感分为现当代作品、古典诗词、外国作品，以图文并茂的形式呈现。

《大卫·霍克尼》是一本关于英国艺术家大卫·霍克尼艺术的专著，从艺术史学的角度全面审视大卫·霍克尼的作品，深入讲述艺术家在主题、方法、风格与技术上的转变，收录了其六十多年来各种媒介的艺术作品，包括油画、素描、版画、摄影、舞台设计、视频以及对新技术新形式的各种试验。全书包含275幅大卫·霍克尼作品的高清插图。《大卫·霍克尼》作者马尔科·利文斯通是英国著名艺术史家，也是大卫-霍克尼的挚友之一。该书初版于1981年面世，是关于大卫·霍克尼的首本专著，这是该书的第四次修订版，扩展了霍克尼近二十年来极为多产且不断变化突破的艺术生涯，是对这位“受欢迎的在世艺术家”的一次为全面的回顾。