二十世纪以降，中国广泛吸纳异域文化，许多外国散文名家日渐为国人熟识和喜爱，外国散文的写作深刻影响了中国现代散文乃至现代文学的生成与发展。本书是为集中展示外国散文名家的创作风采，邀请国内著名学者、翻译家精心遴选名家佳作所编写而成，辅以与作家、作品有关的珍贵图片若干，它的出版无疑会为读者全面欣赏和收藏中外散文经典提供便利。 叔本华（1788-1860），德国哲学家，悲观主义与非理性冲动的主要阐释者，后世生命哲学与存在主义哲学的先驱，黑格尔绝对唯心主义的反对者，自称为康德的唯一继承人。以优美的文体描述但丁式的苦难世界观，以“艺术”为唯一摆脱意志束缚的“短暂的救星”。因受同代人冷遇而愤世嫉俗，但坚信自己所代表的真理会得到最后胜利。直到去世前几年，其哲学方为世界所重视。本书收录了其19篇散文，包括《自我思考》《论判断、批评、赞许与荣誉》《比方，譬喻和寓言》《关于可笑性原理》等。

东山魁夷是著名的日本风景画家，也是著名的散文随笔家。他的绘画和散文既反映民族的审美情愫，又具有现代的文学艺术风格。他孜孜不倦地在文艺领域，探索着日本的美、东方的美。作为日本画家，东山魁夷在创作上，从运用西方色彩开始，吸收了许多西方画的特色，同时又不断地探索日本的美，创作出许多反映日本民族特色的作品。他是日本风景画家，他热爱大自然，尤其倾心日本的大自然——海和山；他观山与海，寻找大自然的生命，仿佛切身感受到它们的气息和搏动，深刻地把握自然，直观对象的生命。他的画，是大自然的艺术再现．他从画北欧的森林写生画开始，到画京洛四季的风光，然后将精力集中在日本古老文化的故乡奈良，汲取精神力量．创作唐招提寺隔扇壁画，继而又涉猎中国水墨画的世界，画了许多美的中国自然风景，为日本绘画事业做出了重大的贡献。东山魁夷先生的散文创作有《探索日本的美》、《与风景对话》、《听泉》、《我遍历的山河》、《我的窗》、《白夜之旅》、《德国纪行》、《北欧纪行》、《中国纪行——水墨画的世界》等。他的散文如其画，很美，也很有日本色彩。他作画著文求美之心，体现在他对日本民族的性格、日本美学的渊源及其特质，既有肯定的一面，也有批判性的思考。他从憧憬西方绘画开始，后在东西方绘画和画论的比较中，表现出一种对日本古典传统的向往，一种对日本风景的倾心，一种对日本美的爱心。他探索日本美的方法之一，是通过体验与日本文化素质迥异的西方文化，并与之进行比较，同时通过东方和西方绘画的精神、形式、色彩异同的感受，来进一步认识日本和日本文化，在这个基础上不断捕捉日本的美，并在东西方文化的接合点上找到自己的位置。东山魁夷本人在散文《水墨画的世界》一文中就说过：我体内夺米就存在着对立要素的两个世界，说也奇怪，这两个世界竞能维持着紧暴的关系及至现在。在许多情况下，对任何人来说，也许这都不是什么特别珍奇的。然而，却决定了我所走的道路。由此看来，也可以认为它有点异乎寻常。我体内经常反复地出现感觉的世界与精神的世界的对立和融合，我觉得由此而产生的紧张，就成了我进行创作活动的原动力。这正是东山魁夷探索日本美的出发点。东山魁夷探索日本美的方法之一，是通过深刻体验“对立要素的两个世界”，然后在这个基础上不断地捕捉日本的美。也就是说，东山的求美之心，是建立在对乡土炽热的爱，以及对东西方亲切的感情的基础上的。他在选择汲取对方艺术精华的时候，首先他强调的是明确地把握住日本，确立自己的主体意识，将其根植在日本的土壤上。在散文《心镜》一文中，他就强调生育他的“濑户内海的这片土地、山和海的夏日风景，是平凡的，然而却是洁净而清澈的，传递着生命的根本……它对我来说，不仅是一种拯救，而且直到后来还深深地隐藏在我的内心深处，成为我精神上的指引因素之一。这是千真万确的。”正是这种“生命的根本”和“精神上的指引因素”，保证了东山接受外来绘画的影响，而不失日本画的特质，他的创作始终不渝地坚持日本传统的主体，不仅感受传统日本画的技术性的东西，而且挖掘日本人传统精神的根源，特别是感受其痛苦与悲哀，以人生为主轴来思考问题，将传统艺术的精神性与现代艺术的世界性相结合，并取得了成功，从而创造出一种既是传统又是现代的新艺术。简单地说，其成功的秘密在于他始终保持着“大和魂”、“大和之美”，即始终怀着一颗对日本美的爱心，一颗炽热的日本心。日本文艺评论家吉村贞司在与东山魁夷对谈东山的艺术道路时，就概括地说：“对艺术家来说，倘使安于全盘继承日本画，一定会被时代所遗弃，这无异于死亡。反之，倘使全盘吸收西洋画，一定会全然失去作为日本画的特质。过分冒进不行，过分保守也不行。我想：日本画家必须背着十字架来创造自己的艺术。”东山魁夷以画风景画见长。他作画，不仅把握自然风景的现象，而且，更重要的是把握其根源的生命。他把自然风景看作生命的整体，自己也包含其中。他感觉到自己的心与自然的心是相通的，是无间地融合在一起的。他对自然风景的观察，不仅停留在表面上，而且达到了相当深的心灵交融的地步。即他通过自己的眼睛获得了心灵的感知，将对自然的感动作为其创作的感情基础，从而发现美的存在。因而，他作画不囿于题材的特异性和构图、色彩及技法的新颖性，而着重追求朴素而根本的令人感动的东西，以及紧紧地把握住对象的生命。所以，他在《心镜》一文中写道：“我们认识风景，是通过个人的眼睛而获得心灵的感知”，“要让心灵深深感应风景”，“没有人的感动为基础，就不可能看到风景的美”。他绘制的优秀作品《山灵》、《树魂》、《青响》等就是他这种风景观的艺术实践。因此，东山在散文《与风景对话》一文中，就非常强调画家要重视净化自己的心灵，然后去感受日本风景所拥有的微妙的神韵，然后才能与风景相呼应，与自然心灵相交融。他还曾说过：“由于我深深地、深深地将自身沉浸于自然之中，因此能看到自然微妙的心灵，也就是我自己的心灵。”所以，他画海，在观察大海的时候，自己与自然和谐而生出的朴素的净化了的心灵，与海的心灵一起搏动，混成了一片。他画海，就让入感受到海充满了人的气息，是入的心灵的象征。他为纪念我国唐代高僧鉴真和尚，在唐招提寺所作的隔扇壁画《山云》、《涛声》，就体现了这种“与风景对话”的精神。画家为了完成这幅二十六面的壁画巨作，整整花了一年的时间，踏足从青森县到山口县二千余公里的日本海岸线，以及从信浓、飞弹到北陆内地的高山，让自己的心灵遨游其间，用心灵去感应这个变化万千的海与山的大自然的美的灵魂。画家还历访唐招提寺，冥冥地坐在御影堂宸殿厅，回忆和体味鉴真和尚的不屈不挠的精神力量，直到自己完全透彻地理解了，彼此的灵犀相通了，就自然渐渐地浮现出画的形象来，后终于完成这别具一格的艺术精品，将东山魁夷的绘画艺术推向一个新的高峰。东山画之美，其构成是包含着日本传统美结构的“幽玄”的因素，其审美情趣是追求抽象的玄思，虚、空、否定之肯定。画家经常强调美是存在于“无我”之中，他把万物都看成是“虚妄”的。所以他一旦面对大自然，自己就忘却一切，保持纯粹的自我，甚至舍弃自我。他说过：“如果大自然和自己之间介入了什么东西，不论这种东西有多好，结果似乎都会削弱对大自然的直接把握。”他还说过，天地万物的存在．是同生存在无常中的宿命紧密相联的，所以只有舍弃自我，才能把握真实。缘此，画家观景写生，首先净化自己的心灵，使自己达到无我之境，就可谓“心中万般有”了，这样才能发现自我之外的自然之真实，创造出美来。他画的《月篁》、《月明》描绘月而不画出月本身来，只绘画了对月光的感觉，让人通过月光的美来感受没有描绘出来的月，并从中感受到月之美的存在与发现的愉悦。这不正是画家纯粹的无我之心与月之心的微妙呼应，交织在一起才能够绘画出来的吗？《山云》、《涛声》画了云雾缭绕的山，以及波涛汹涌的海，从右至左涌向坚固的岩石，拍打起无数的浪头，然而整幅画面却又深深沉浸在宁静中，表现出它们的旺盛的生命力。东山魁夷在散文《山云》、《涛声》总结这一艺术结晶时指出：“山云不是根据云自身的意志而流动。波涛也不是根据波涛自身的意志而发出涛声的。它是通过发自生命根源的引导，根据宇宙根本的东西在活动着，不是吗？”他又说：《山云》、《涛声》是一种纯粹的感动而完成的。纯粹的感动不是靠意志所能获得的，只有目睹大自然的好状态，才能产生激情，并将激情保持到后。可以说，这是东山的绘画之所以很有生气、很有精气，洋溢着强烈的生命感之所在。他的《路》，画的也不是现实风景的路，而是具有象征意义的人生之路。这条路以苍穹为背景，竖躺在矮草丛生的山冈上，笔直而迟缓地向上延伸，刚刚稍向右拐，路便在远处向画面外朦胧地消失，变成一条若有若无的线，仿佛路就存在于“无”——无限的“无”中。可以想象这是路的继续，无限的延伸。画家将复杂的大自然景物归纳得如此简练，除了路、山冈的草丛、苍穹以外，画面上压根儿就没有任何实际存在的东西，人们从这无限的“无”之中，对这条路的感觉反而会变得更加强烈，更加充实。这样《路》的画面反而流溢出一种特有的沉静的感情，路与路左右两侧的草丛明显又柔和的接壤处，还充满了细腻的情趣，给人一种独特的艺术美的享受。东山魁夷在《一条路》一文中解释说：“人生的旅途会有许多歧路……与其说是我自己的意志在驱使，莫如说是一种更加巨大的外在力量驱动着我。这种想法至今未变。但在我心中早已培育了要走这条路的意志，所以才形成这幅作品的吧。可以说，我的心灵一旦平静，我的方向也就相当清楚地固定下来了。这条路，既不是明朗的骄阳普照的路，也不是笼罩着凄惨的暗淡阴翳的路，而是一条在清晨的微明中，平静安详地呼吸着的、坦荡的、自由自在的路。”人们赏画《路》和读他的美文《一条路》，不是也可以感受到东山魁夷的人生观和自然观、审美观也跃然其中了吗？东山的自然观体现在对春、夏、秋、冬季节变化的感受中。他在《大和之美》一文中说明，“自古以来，人们对季节感怀着极大的关心，深切地注视着、观察着大自然的变化。春天萌芽，夏天繁茂，秋天妖娆，冬天清净——我们日本人早就在佛教传来以前，不就已经在观察这种大自然变迁的世故，并且切肤感受到人的生死宿命及其悲喜了吗？”正是这种感情，让东山把握住大自然的生命，直感地捕捉自己内心深层的东西，从而在艺术表现上发出了光辉。东山在《与风景对话》一文中进一步强调，他要与大自然无问地自觉融合，不仅表面的观察，而且要达到相当深的地步。他在《自然与色彩》一文里，就作了这样形象的讲述：“冬天到来之前，树林燃烧起全部的生命力，将群山尽染，一片红彤彤”，这是表述树木等待冬天所持的达观的态度，以及树木临近“冬眠”之前所显现的生命之光。东山绘制的一草一木随着春、夏、秋、冬季节的变化而变化的千姿百态，就从《春兆》到《春逝》，从《初夏》到《盛夏》，从《初红叶》到《秋映》，从《冬华》到《冬暧》等画作中，活脱脱地展现在大众面前。探寻树木的精灵，是东山自然观的一个方面。画家这种对树木的特殊感觉，体现在他的画《树魂》、《树灵》、《树根》、《古树》等上。人们从这些作品中可以感受到树木有精灵，画家与树木对话，画家的心灵与树木的心灵相通是强烈的，又是深厚的。尤其是《树根》所展现的弯曲伸展的根的张力，造成一个跃动着强大生命力的万木苍然似的世界，是很有独特性的。正如川端康成在画评中指出的，《树根》“具有一种魔怪般的力量，一种扎根大地、支撑天空的怪异的美，是大自然与入的生命的永恒象征”。

二十世纪以降，中国广泛吸纳异域文化，许多外国散文名家日渐为国人熟识和喜爱，外国散文的写作深刻影响了中国现代散文乃至现代文学的生成与发展。本书是为集中展示外国散文名家的创作风采，邀请国内著名学者、翻译家精心遴选名家佳作所编写而成，辅以与作家、作品有关的珍贵图片若干，它的出版无疑会为读者全面欣赏和收藏中外散文经典提供便利。 外国散文，浩如烟海。名家群星璀璨，佳制异彩纷呈：或饱含哲思，深沉隽永；或清新质朴，恍若天籁；或激情如炽，诗意纵横；或嬉笑怒骂，酣畅淋漓……二十世纪以降，中国广泛吸纳异域文化，许多外国散文名家日渐为国人熟识和喜爱，外国散文的写作深刻影响了中国现代散文乃至现代文学的生成与发展。为集中展示外国散文名家的创作风采，我们邀请国内著名学者、翻译家精心遴选名家佳作，一人一册，每册约二十万字，并辅以与作家、作品有关的珍贵图片若干，荟集成这套“外国散文插图珍藏版”，分辑出版，首推二十种。

汇集名家名篇及精要鉴赏于一册，读之可拓宽视野、汲取精华、爽目悦情。《外国散文百年精华鉴赏》所收的146篇散文，均系名家名作。这些散文，有的长于抒情，抒发了浓浓的爱国情、乡情、亲情、友情、理想之情等；有的长于叙事，叙述了“我与绘画的缘分”、“红色圣女”的壮烈、“童年轶事”的情趣、“我怎样考试”的经过、“从罗丹得到的启示”、“我们是怎样过母亲节”的欢乐等；有的长于描绘，描绘了林园之美、森林之美、青山之美、海湖之美、风雪之美、晨昏之美等；有的长于思辨，思考了“老之将至”、“性与美”、“创造”、“信仰自由”、“远和近”、“永不道别”、“怎样发大财”、“知识尘埃”、“人生之秋”、“思想的诞生”等。这些散文在艺术上除了运用传统手法而外，大胆创新，大量使用了象征、荒诞、意识流、内心独白、对话、蒙太奇等现代技法，给作品增添了深邃的艺术内蕴。这些散文都有强烈的个性与自我表现意识，饱含着浓郁的情愫。

《一个孤独漫步者的遐想》是卢梭临终前的最后一部作品，也是他留传后世的一部最富特色的不朽之作。卢俊在他生命最后日子里，在“再没有兄弟、邻人、朋友，没有任何人可以往来”的悲凄境况下，坦然展露自己的思想和感情。它不仅是身体的漫步、心灵的漫步，更是一次文学的漫步，它迸发出的智慧的光芒，照亮了无数个卑污的灵魂。《孤独漫步者的遐想》是法国哲人文豪让-雅克·卢梭的最后作品。这十篇漫步者遐想录，是卢梭“为自己而作”，展露了卢梭推崇感情、赞扬自我、热爱大自然的思想，同时它也凭着自身发放的光耀，照亮了无数在世俗社会当中卑污的灵魂。它跟美国哲人梭罗的《瓦尔登湖》一样，讲述的都是一个孤独隐居者与大自然对话的故事。这本小书也成为法国最优秀的散文作品之一。 这本小书也成为法国最优秀的散文作品之一。

司汤达的小说是不大被一般读者所理解的。他对历史事实材料的运用被认为是“专好剽窃”，他对现实生活的如实描写被认为是“极不道德”，他朴素无华的文风被批评为“粗制滥造”，如此等等。但是司汤达仍然坚持自己的风格，因为他“试图将虚构建立在真实之上，按其自然原貌抄袭人物和故事”。作者用独到的见解和流畅语言，为你讲述一个真实的司汤达。司汤达文学作品和美学思想和雨果的美学思想一样，既是后代所谓积极浪漫主义，甚至“革命浪漫主义和现实主义”文学美学的先行者，也是直到今天许多所谓现代后现代文学美学的先驱之一。 其实很难将司汤达人为地划入某一个文学流派，而且，他也，并不是轮流成为小说家、小册子撰写者、随笔作家和历史学家的，他同时兼有这些身份。司汤达是一位不朽的文学艺术家，一位文学艺术界的斗士！

姚尔凡生于德国的美占区，现任教于柏林白湖艺术学院，这里的视觉传确定系并不采用单一导师工作室制。因此本书集中反映了该系的多位导师联合教授的教学特色。姚尔丹毕业于杜塞尔多夫美术学院，是波伊斯的大师生。他尝试过很多职业：老师、丝网印刷人、作家、摄影师、电影工作者及政客。他在1976年回到法国，在Grapus工作，直到他赢得国家级荣誉。1991年，他进入NTE。1993年，他成为德国柏林白湖艺术学院教授，视觉传达系主任。 石岗瑛子把设计定义为：1．永恒；2．革命；3．原创。我想把她的设计哲学推荐给中国的设计课堂。这三角形个概念中蕴涵了设计学术中有关科技、勇气、创造和文化遗产的解释。你也许不同意我把设计奉上学术殿堂的说法，但设计教育的存在就是对设计学术的承认。设计是一个系统的学科，有可教可学的历史和理论，还向着无数可能发展。学术研究的支柱就是科学精神。对这种精神的理解，就如同设计师得明白每个设计首先是个工作。这样当你再看到报上三个月平面设计速成班时，不免报以会心一笑。黑格曼、姚尔丹、勒斯、卓斯乐、马蒂斯和华西莱基教授，他们无疑是这个时代杰出的平面设计师，这套丛书介绍了他们对设计的理解和设计教育的方法，最重要的是书中也介绍了在他们影响下的青年设计师的创作。

《鸟与诗人》首版发行于1877年。是巴勒斯在“湖畔木屋”和“山间石屋”生活的前期所作。巴勒斯在这本书的序言中说：“把户外自然草稿与纯粹来自书本上的经验结合起来，我为此已酝酿了很长时间，因而，现在我将向读者透露，是什么吸引我，让我感觉到身处四壁之内的快乐，又是什么愉悦我。使我不知疲倦地奔波予户外。”由此不难看出，巴勒斯在书中向读者奉献出的既有他在书斋中对自然的研究和思考，又有来自户外生机勃勃的大自然的亲身经历和体验。该书共分十章，包括《鸟与诗人》、《自然的笔致》、《鸟的集成曲》、《舂之涛》等，这些作品向读者展示了一幅幅诗意而美好的自然画卷，令人对神奇的大自然充满无限遐想。

《典型的日子》是一部自传体的散文集，是大诗人饱经沧桑、人到暮年时的绝唱。惠特曼像在旷野中采集标本那样，来采集个人的经历和自然的风景，自然的美丽和永恒是它的主调。有评论家称，“惠特曼的散文比诗歌更胜一筹。它清晰、理智、易懂、颇具可读性。它之所以有趣，是因为它以自传体的形式回忆往事，并对户外生活及其感触做出直接而清新的真实反映。《典型的日子》是刚健有力的，处处散发出泥土和青草的芳香。"我们在书中看到的是一位返朴归真的老人最后的绝唱，那是一种发自内心的回归自然的绝唱。

《无界之地》作者玛丽·奥斯汀（Mary Austin，1868－1934），美国女作家，一生中写了三十二部书，二百多篇散文和三个剧本。在她所有的著作中，那些描述天人亲和的书是她最佳的文学成就。《无界之地》包括她的两部代表性作品：《无界之地》和《少雨的土地》。《无界之地》以自然原色的风格真实描绘了美国西部沙漠边缘地带“边缘人”的情感和生活：在这里野性的自然与人们简陋的生活浑然一体，而令人畏惧的自然背后的神秘力量又与人难以控制的心灵激荡与情感的发泄相映成趣，作者正是恰切地把握了自然与人性内在的律动与节奏，从而为我们描绘出了一幅幅充满质感与生命意义的丰富画卷。《少雨的土地》是以作者在沙漠小镇十二年的生活经历为背景写成的成名作。它从不同的侧面，向人们展示了奥斯汀生活了十二年之久的那片沙漠的魅力。《少雨的土地》是一本令人敬慕的沙漠经典，改变了人们对沙漠的认识。在她的笔下，沙漠成为一种有生命、有活力的迷人风景。奥斯汀以干燥少雨、空旷贫瘠的沙漠为写作背景，创造了在美国还无人问津的“沙漠美学”。作品中除了对自然的描述和赞美之外，又多出了几许为自然辩护的激情和保护自然的理智。她把目光投向美国未开发的西部，在《无界之地》中为读者展示了一个自由的、无拘无束的前工业化的世界，这无疑吸引了成千上万渴望一种更为简朴，也更为精神化的生活的人。作家在书中向我们传递了一个信息，即现代人应当逐渐放弃以人为中心的观念，以平等的身份去接近自然，经历自然，融于自然。