《意大利歌曲集（修订版）》翻译的五十首意大利歌曲约半歌曲约半数是十六世纪到十八世纪之间的意大利作曲家的优秀作品。它们经历过三四百年的考验而仍然能留存到今天，仍然为人民所喜爱，西洋的声乐教授把它们当作声乐学生所必修的课目，可以证明它们具有一定的艺术价值。古典文学作品把过去人们的内心生活描写得非常细致具体。许多人一向认为音乐较文学、戏剧、美术是更抽象的艺术，不可能描写得那样具体。但是这些歌曲把那个时代男女的气质和精神面貌刻画得如此细致真实，使我们听了以后，如身历其境，在我们眼前仿佛看见了那个时代男女的具体形象。这些作曲家可说是创造了古代男女的现实主义典型。这些作品既是古的（一部分是近代的）西洋的文化遗产，它们在时代性、民族性、阶级性上当然是与今天中国的情况有很大的距离。但是它们既有可取之处，我们就可拿来作为借鉴。

《京剧入门与鉴赏》就是一本全面介绍京剧知识的入门书，从京剧发展史、京剧剧目、京剧行当、京剧音乐、京剧舞台美术、梨园佳话等方面进行了详细阐述。我国的戏剧艺术源远流长，波涌浪翻，高潮迭起。其中，元杂剧的辉煌、明清传奇的鼎盛、以京剧为代表的花部地方戏的五彩缤纷，则分别代表着中国戏剧史上的三个黄金时期。京剧艺术博大精深，浩瀚无涯，令人叹为观止。京剧艺苑姹紫嫣红，辉煌灿烂，叫人眼花缭乱。

川剧是一个有着悠久历史的独特而古老的剧种，兼具昆腔、胡琴、弹戏、高腔、灯戏五种声腔，在我国戏曲剧种中十分罕见。川剧保存了不少优秀的传统剧目，尤以清新优美的文学性见长。它是四川、云南、贵州等西南几省人民所喜闻乐见的民族艺术。川剧表演具有深厚的生活基础和现实主义传统，形成了独特而完美的一整套表演程式，唱腔优美，表演真实细腻、别致传神、诙谐风趣，舞台形象典雅，生活气息浓郁。从生活和人物出发，不拘一格，富于变换，特别善于采用托举、开慧眼、传奇绝妙的变脸、钻火圈、藏刀等绝技来塑造人物，使其舞台呈现多彩而神秘的艺术特色。川剧剧本具有较高的文学价值，为群众所喜爱，是中国优秀传统文化的一颗璀璨明珠，是巴蜀文化的典型代表。《川剧入门与鉴赏》全面系统地介绍了川剧的基本知识。

《越剧入门与鉴赏》介绍了越剧的基本知识。 越剧作为发源于浙江的独特剧种，有着浓郁的地方特色，它主要以浙江嵊州方言和民间音乐为渊源，博采绍剧、京剧、昆曲等戏曲乃至话剧、电影等多种艺术形式的精华，成就了独特艺术风格，被誉为“江南奇葩”。

艺术是人类在漫长的发展道路上不可或缺的元素，她陪同人类从幼年到成人，从蒙昧到文明。、不同的社会文化环境，不同的时间流程，都会或多或少地在艺术中留下不可磨灭的痕迹。悠悠岁月，涓涓细流，“乐舞”是中国古代传统艺术的重要组成部分，它是一种综合艺术形态，蕴含着华夏民族的深层意识，是中华民族全体人民的智慧和心灵的结晶。我国地大物博，多民族、多样的生态环境和文化传统，以及不平衡的历史进程，为我国乐舞文化渲染出一幅与众不同、色彩斑斓的画卷。这门古老的艺术在它诞生之初，是“诗”、“乐”、“舞”浑然一体，不可分的。古人认为：“诗者，志之所之也，在心为志，发言为诗。情动于中，而形于言，言之不足，故嗟叹之，嗟叹之不足，故咏歌之，咏歌之不足，不知手之舞之，足之蹈之也。”所以，我们称之为诗、音乐、舞蹈，这三个元素在古代是三位一体的。是在经历了相当长一段历史进程之后，才逐步独立分解形成单独的门类艺术。中华乐舞内容繁多，异彩纷呈，不同民族、不同地域都各具不同的性格和色彩。中华乐舞艺术在原始社会中度过了萌芽、形成期，大致在“青铜时代”趋于成熟，然后在封建社会中进一步发展，从汉至唐，并在唐代达到了最鼎盛时期，自宋以后，随着乐舞的变化而进入转型期。但也不难发现，中华乐舞是一个整体，有着共通的神韵和风貌，且不说民族之间、地域之间的频繁交流，相互融汇，就是娱人和自娱、市井与宫廷、宗教和世俗……都不乏呈现出你中有我、我有你的形式和内容。《图说中国乐舞艺术》将中华乐舞分为宗教乐舞、宴享乐舞、百戏乐舞、四夷乐舞四个部分，并且笔者本着对敦煌艺术的痴迷，较为粗浅地形成了第五编敦煌乐舞的部分。这些都是中华乐舞文化传统的重要组成部分。　灿烂的中华乐舞文化，源远流长。从诞生源头的点点滴滴，时疾时缓，终于汇成了无际汪洋。在她漫长的历程中，有潺潺清流，也有急流回旋，但它始终奔腾不息，纵横恣肆于神州大地上，奔向前方，奔向未来。现在，让我们一起走进中华乐舞的殿堂，将我华夏民族之风采尽收限底吧！

用鲜明绚丽的色彩、犀利流畅的线条组织成面部图案，勾画在戏曲人物的脸上，是中国戏曲化妆的特殊手段，成为睑谱。 按脸谱的一般应用范围来讲，它属于净、丑两行；按脸谱的戏剧功能来说，它是戏曲统一风格化妆的一种。无论生、旦、净、丑，根据所演人物的性格、面貌，需要特殊夸张的都可以勾画脸谱。

本杰明·布里顿（Benjamin Britten，1913-1976）是20世纪的著名作曲家，被认为是英国自17世纪普塞尔以来最杰出的作曲家。在其体裁多样、数量庞大的作品库中，歌剧所占据的位置极为重要，也是他全部作品的重心所在。自1941年《保罗·班扬》（Paul Bunyan，Op．17）首演开始，至1973年最后一部歌剧《命终威尼斯》（Deathin Venice，Op．88）为止，在长达30余载的创作生涯中，他为世人奉献了16部歌剧（其中包括三部教堂寓言剧），其创作思想中的人道主义精神、现实主义倾向及被世人褒贬不休的同性恋情结等最为全面地展现在这些音乐戏剧作品中。因此，对于歌剧创作的研究便成为了解布里顿音乐创作思想、技法乃至风格流变最主要的途径。在布里顿的全部歌剧作品中，本著所涉及的这两部——《彼得·格莱姆斯》（Peter Grimes，Op．33，1944．-1945）和《命终威尼斯》（197l-1973）是最富特色的：一部是举世公认的他的成名作、代表作，另一部则不仅是他艺术生涯中此类体裁的“天鹅之歌”，而且还与他的情感生活有着密切的联系。本著以此为契机，对这两部歌剧从体裁形式、题材内容、音乐风格及具体技术手法和美学追求等方面展开比较研究，并对影响作曲家创作的，“性取向”问题进行解读，以音乐本体分析与文本意义阐释的双重视角审视本课题，进而探究造成这些变化与发展的原因。全书分四章。前两章分别是对这两部歌剧的音乐本体分析，从题材的选择及动机、调性、配器等技术手法方面进行了全面而深入的分析。第三章是对其创作理念及风格特征的比较研究，并得出有关布里顿创作方面的简短结论。第四章则探讨了“性取向”问题对布里顿这些创作的具体影响，同时涉及对学界研究方法的思考。结论部分从历史、社会、文化的角度探讨了作曲家歌剧观念和创作风格的来源，认为英国传统文化的精神及“性取向”问题是形成布里顿创作理念和风格特征的主要因素。

《白字戏研究》就是作者后半生立志献身于精神探索后的处女作，供广大读者阅读参考。面对《二十年目睹之怪现状》在21世纪的中国社会的重现，面对周遭对怪现象的神往、无奈与麻木，作者常常泪流满面，“心有戚戚焉”。这种挥之不去的感慨彷徨不断地令作者不安、令他困惑，渐渐地凝聚成他的人生使命——解读百年沧桑巨变下的诸多怪现象。这种使命感令我豁然开朗，终于在年届不惑之时，毅然放弃蝇头小利，以全日制博士生身份走进中大，潜心于学术。

《沪剧演唱艺术浅说》共分为四编，前三编重点讲述在沪剧演唱中必须要熟悉和掌握的理论和正确的运用方法。在编写过程中尽可能地把声学理论基础知识融入到沪剧演唱艺术中去，并用通俗易懂的文字、图像和例举的大量谱例，力求使理论与演唱实践相结合，这样有利于我们较快地掌握正确的演唱方法。第四编“沪剧名家与流派艺术”，是想通过对前辈艺术家，特别是对“文革”前上海六大沪剧团的沪剧名家的回忆，能让大家了解一些沪剧的有关历史，通过对老艺术家们各流派唱腔艺术风格的介绍和学习，使我们在思想上高度重视流派唱腔在沪剧发展史中的重要作用，让我们这一代年轻人不要忘记老一代艺术家们对沪剧事业发展作出的重要贡献。

《中国黄梅戏》分源流、概论、剧目谱例、传记、文选、图片等若干大部，全面阐述了黄梅戏的历史与现状，理论与作品，声腔与剧目，成果与人物等诸多话题；广泛涉及黄梅戏纵横两度的文史及戏剧知识，是黄梅戏剧种的一部归结性著作。