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素肌玉骨、莹澈光洁的中国瓷器，历来为典藏界所看重。早在封建时代，士大夫们便把瓷器当作骨董来赏玩。到了近代，不少名瓷珍品流向了海外。一只明代永乐年间的青花扁瓷壶，早几年曾在香港拍卖市场上以396万港元拍出。这昂贵的价格中，包含了它的文物附加值，一般的瓷器自然是无法望其项背的。而近年来兴起的名家绘瓷又开始为藏家所注目，因为名家的参与创作，也给瓷器带来了巨大的艺术品附加值。

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内容提要装饰图案是各美术设计专业共同的基础课。本教材是在继承传统的基础上，总结了改革开放20年来的图案教学及创作经验，对装饰图案的概念及内涵、图案的发展演变，不同工艺不同材料的应用所形成的特点等方面作了分门别类的叙述；对图案的形式法则、写生方法、造型规律以及黑白与色彩的不同表现方法作了详尽的介绍，并辅以大量的图例。本书收入图例及示范作品共374幅，包括世界不同国家、不同时代的代表作品以及当代中国专家教授及学生的优秀作品。本装饰图案教材适合高等美术院校设计类的不同学科，是一项旨在促进图案教学，使之有章可循，不断提高的重要教材。

《华拓画集》收入了作者的《向阳人家春常在》、《苍茫秋色著红妆》、《霜华点碧山》、《江村秋色图》、《天子山中》、《秦岭夏色》等84幅山水画作品。

50年代初便见到过杜荣尧同志的版画，他当时生活、工作在部队，所表现的大多是有关部队生活的题材，他的画黑白分明，用刀干脆利落，作风浑厚朴实就像他本人的性格一样。之后，就有奸长一段时期没有见到他的作品，时间转瞬过了三十多年，在90年代一次偶然的机会上又见到他本人和他的许多新作。使我感到惊奇的是他这些年来在十分不利的环境和条件下竟能以那坚韧不拔的顽强精神，创作出那么多耐人寻味的佳作来。更值得称道的是他不受来自任何方面的干扰，仍然坚持自己认定的道路，始终执着于黑白艺术的追求，挚爱着自己的刻刀与木板，并凭借这些简单的工具，用朴实无华的艺术语言来抒发自己对生活和自然的感受与激情。我相信这些发自画家内心充满真情实感的作品，定会在广大观众中找到它的知音。

明代王世贞在《艺苑厄言》中讲：“山水画至大小李一变也，荆、关、董、巨又一变也，李成、范宽义一变也，刘、李、马、夏_义一变也，_人痴、黄鹤又　一变也。”他的话大体上符合我国山水画发展的实际。王世贞这里把王蒙和子久并称作为元代山水画变革的典型代表人物，是很有见地的。“元四家”山水画的艺术特色，代表着“宋人重理”到“元人尚意”画风的显变化，化宋人质实为虚灵，变宋人工丽而趋求笔墨逸趣，成为山水画风格衍变过程中一个阶段性的重要转折时期。而征这“一变”中，王蒙以其丰富性、多样性的精到艺术技巧，满纸拍塞繁密描绘方式所形成的个性化笔墨程式作为自己的艺术特色。唐时绘画“以真为师”，技法的探求在于达到真实的再现，宋人进一步追求合乎客观自然规律的“理”来组织画面，在“物”与“心”的辩证关系上，以“物为画之本，我为画之神，有物无我不足以通理想，有我无物不足以达真实”来作为美学理想的追求；而元人的拓展在于由宋人重造化之“理”转而求心绪意象之表述，在“物”与“心”的关系l二，侧重存通过一定的景象来表现自我，“妙处不在工，而在逸”，在于求物象的韵致。从“元四家”作品看，他们住实践中没有将“彤”与“神”对立起来，而是在宋人画格的基础上脱略形迹，重和笔墨形式美的相对独立性。如果讲唐宋现实性的审美观念的开拓，使六朝时山水肜象创造的那种神秘梦幻的色彩逐渐消失，美学上追求对于自然的其实感受的话；那么元代审美风尚和于把观赏者的审美视野引向“萧散简远”超越自然美的艺术模式。由宋至元的变化在对待作为艺术创作第一性现实世界的态度上，无代画家大都不注重自然界给予的特定的具体感受，而侧重在如何以某种艺术语言去解释自然，表现出对宋代画学观念的再界定。如果讲刘、李、马、夏这“一变”突出秕以截取式的新异空间结构和墨化较甚黑白判然的审美现照来建立画面秩序的话；那么火痴、黄鹤“一变”转向以书意的笔线来求得精神净静的“逸”趣境界，在否定前代美学思考基础L来开拓自我情味，以此变易宋人之画风。清人华翼纶说得好“元人足有元人门径”，元人存绘画概括方式上，力图摆脱功能性、实用性的趋向，于程式符号的创造I二更多地遵循艺术自身的规律，以求提高笔墨艺术审美价值的深度。

在中国绘画发展史上，吴镇（1280——l345）以终牛隐居、擅画隐逸题材著称，其传世作品的图式与母题充分表现了古代文人理想中的精神价值与艺术境界。在文人画鼎盛的元代，吴镇的绘画不仅和元代前期的士大夫画有一种心境上的区别，而且在中后期的“元四大家”中亦独具风貌。吴镇的创作及其在画史上的地位，典型地体现了中国古代文人画所特有的文化品质。本书即尝试通过讨论吴镇传世作品及其相关的绘画作品之间的内在联系，以画史上视象结构之流经衍变的形态分析为基础，揭示出文人画发展中潜在的创作倾向和文化意识，研究吴镇在中国关术史上的价值和意义。

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“新编三大构成”给予学生的不是美的范本，而是研究怎样发现美，怎样形成美的境界与智慧。在这里美没有标准，没有意志，没有终点，只有通向自然灵魂的艺术之路。我们的学生经常按自然表象和人为的分类进行思考和学习，观察自然认识世界为什么一定要把已知的看起来可靠的经验和东西作为参照？我们怎样用抽象的思维和人性的情感与自然对话？我们为什么只强调自己的个性，而不注重自然规律的共性？我们什么时候才能像蒙德里安一样把追求宇宙的和谐、平衡与秩序，视为毕生的任务去实践？我们为什么不具备像塞尚、石涛那样从混乱的自然表象中，发现自然秩序的才能？我们为什么没有杜甫“细睢物理须行乐，何必浮荣绊此身”的境界？……这一切，均会在构成学中得到启示。“画为法表，法为画理”。无论设计艺术还是纯艺术，如何悟得道理永远是构成教学的主题。