这是一个研究空白，也是我们准备着力打造的、在行业内具有较大影响力的中国美术教育年度发展报告。该书旨在记录时代轨迹，聆听时代声音，思考时代使命，创造时代价值。我们把2021年中国美术教育的重点、热点问题收集、整理，进行分析、综合，提炼出最有教育价值的资讯，提供给广大美术教育从业者，以及今后对此有兴趣的研究者。内容分为：年度发展总报告、专题研究报告、经典个案报告和年度盘点，以及2021年中国美术教育年度大事记。

艺海拾瑛，雅集成册。在建院十五周年之际，国家大剧院特别策划推出《探微云端 艺术新场景》一书，邀请文艺工作者和各界朋友，着眼国家大剧院线上系列演出的具体实践，开展深层次、多角度、全方位的讨论，进一步梳理经验做法、共享资源技术、碰撞思路火花、探索未来可能。我们将收集到的真知灼见和鞭策勉励辑录成册，供广大读者研究思辨，希望能够为大家提供一些有益的参考借鉴，进一步为表演艺术行业高质量、可持续发展贡献大剧院的智慧和力量。

本书系统性地讲解莫奈这位印象派大师的发展历程。对于喜爱莫奈作品的艺术爱好者而言，本书不仅能带领读者走近这位印象派巨匠的传奇人生，还对莫奈的多幅经典佳作进行了专业的评析。本书手把手教读者以莫奈的风格创作油画作品。

本书为国家社科西部项目《藏传佛教造像量度理论与实践研究》（项目号14XZJ021）结项成果。本书从实践的美学观视角出发将造像量度置于特定的社会文化场景中进行考察，强调以体验式的参与观察，在主客位互动的关系中解读造像量度文献、图像与口头传承。从历史上看，造像量度与佛教艺术传入西藏并中国化的过程、以及西藏唐卡流派的形成、发展、恢复传承过程中起到了极为关键的作用，是唐卡传承的核心技术。从共时的维来看，造像量度作为实践的美学体系，包括了身体化实践、艺术创作、审美评价等内容，是一个在内容与形式上多维立体的系统，以及文化传承人与社会文化互动的实践过程。本书对造像量度文献进行了历时的考察，系统梳理了造像量度理论翻译与发展历史脉络。对见于藏文大藏经中有关造像量度的梵文译典，以及历代藏族学者对于造像量度的诠释文本做了系统的介绍，对比之间的主要理论观点和思想，分析造像量度理论的中国化特征。其中对国内外有关造像量度研究的学术史回顾和评论，也显示出对所从事学术研究领域所具备的国际性视野。对造像量度在唐卡流派中的具体实践做了历史性的勾画，给读者提供了一部简明而又非常专业的唐卡发展史，将造像量度理论及其于唐卡绘画艺术中的具体运用，做了非常细致和专业的研究。本书通过田野调查来考察造像量度，从唐卡的传习教学、艺术创作、审美评价等实践的三个层面去理解造像量度，并从不同画派唐卡画师的主位视角出发阐释其学习、使用造像量度的行为以及对这一绘画法度的理解和实践。本研究认为造像量度既不等于经文与观念、也不仅仅是技术操作，而是一套基于实践美学的文化体系，还包括了身体化实践、艺术创作、审美评价等社会实践过程。因此，“传承”既不等于静态的文本与文化理念，也不等于抽离时空场景的材料、工艺、技法、流程，也不仅仅只是教育学关注的学习，而是一个在内容与形式上多维立体的系统，以及文化传承人与社会文化互动的实践过程。

《多胞胎书画的物证鉴定》是专题科研的成果汇聚及物证鉴定的实战应用。本书中，在书画印章印文鉴定部分，不仅以物证鉴定的角度视野归纳了书画钤印的发展历史及文化背景等宏观系统，同时，针对性地科研实验、分析研究同一书画印章钤印的“同胞胎”印文的变化特征系统与不同书画印章钤印的“多胞胎”印文的差异特征系统的形成规律，及两者之间的区别特点，从而科学、客观、系统地开展中国书画钤印的物证鉴定。在书画笔迹鉴定部分，科研重点是临摹笔迹、套摹笔迹及仿写笔迹等的书写规律、影响因素、主要特征及鉴定依据等理论知识，并以实践案例讲解应用文书鉴定国家标准鉴定多胞胎笔迹的思路方法、规范程序及技术要点。

《数字媒介视觉设计与传播》是一本全面阐述数字媒介视觉传播理论、方法和实务的教材。教材共分为10章内容。分别概括介绍数字媒介技术的发展，以及与视觉设计和传播之间的关系；数字媒介视觉设计和传播中涉及的传播学理论、心理学理论和设计心理学的相关内容；界面概念及常用的视觉设计要素并有案例；对视觉设计和传播实务中的多个维度进行分章节介绍；对完整的数字媒介产品从视觉视角进行优化配置方法；视觉传播评估概念、要素、方法及流程。该教材适合新闻传播学类本科生使用，也适合从事数字媒介产品前端开发，视觉设计的设计师。

全书主体部分由豪素深心、紫府仙山、标新立异、瘦西夕照四个单元组成，分别介绍了笔触狂放恣意、勾勒遗民绘画趣味的遗民画家，于工谨细腻的笔墨丹青中摹写运河山水楼阁的职业画家，开创大写意画风、立意独辟蹊径的“扬州八怪”，以及盛世余晖中追求诗文与画意统一的“邗上五朱”“扬州十小”，既于丹青中呈现清代扬州风采乃至全国风貌，也将扬州画坛名家的各自人生着于画卷，徐徐展开，待人感悟品味。专述文章来自文博诸学人立于实证、立于史料的扎实研究，既有书画专家对清代扬州绘画风格变迁的综论，也有文献学者对石涛和金农别号的专门探讨，能够帮助读者深入地理解和感受作品。诸家画作不仅有全幅展示，还有精彩的细部特写，手感细腻的艺术纸印刷，完美展现“扬州八怪”等画家的传世名作，让读者可以充分感受到画师们的高超技艺和笔墨趣味，传达出清代扬州画坛怪而不异的独特意趣。

中国画融情理、物理于画理，物我无间而道艺为一。 形式是绘画的实体。中国画以“笔墨”成“象”，故中国画的艺术表现，最基本同时又是最高的标准，终不能离开笔墨。 作为中国文化的一种成分，画学当然不会例外。技巧、性情、人格、修养，归而为一。个人的生命，不自一个人而止，人类生命确然与物同体，其情无所不到。超越生理本能，超越“自我”。传统观画，先观气象，辨气息，讲品格，分雅俗，道理全在这里。

本书在对中国山水画“笔墨”的理解、研究、继承和开拓上，童中焘有着深刻的见解，并从理论与实践的高度回答了中国画画什么、如何画的问题。他认为，“笔墨”是中国画艺术表现的最大特点。中国画的用笔是对“人性的抽象”，中国画创作是一个融合内外的整体境界，是集文学、哲学、自然科学等素养的综合展现。

本书分为中国古典绘画艺术中的文图关系、中国绘画艺术中文图关系的经典形式、中国古典绘画艺术中文图对话的美学基础三编。上编是对中国历史中文图的四种关系进行历史梳理及深度阐释，是文图关系的整体性研究。中编提取了以图为文的经典形式——题画诗、诗意画进行深入分析，以历史为线索，以每个时代重要画家题画诗和诗意画为例，探索图画画面如何呈现诗歌，探索在图画呈现诗歌的过程中，图与文之间发生的合作、对抗或互显等关系。下编考察了绘画中文图对话的美学基础。这个基础就是：书画同源、诗画一律、诗画融通等，并在此基础上，与西方美学中的相关思想进行比较，与西方绘画中的文图关系进行比较，深度探索文与图对话的可能与限度。最后，以本书的结论为参照，观照当今艺术的融合与艺术语言独立之间的关系，为其提供借鉴。