《中国美术与现代主义》系《“东方主义”与现代主义》的续篇。钱兆明在《“东方主义”与现代主义》中提出了东方文化为西方现代主义构成元素之一的理论，用大量文献资料论证了美国诗人埃兹拉·庞德和威廉·卡洛斯·威廉斯如何从英译汉诗中汲取营养，实现现代派诗歌的新突破。《中国美术与现代主义》则以庞德、玛丽安·摩尔和华莱士-史蒂文斯等美国诗人对商周青铜器、唐宋水墨画、明清瓷器、书法的青睐为突破口，进而考察了中国美术与西方现代派诗歌的渊源关系。

本书想对艺术有一种统摄性的认识。这种认识高于对问题的梳理，高于对思想的阐释，高于审美，高于品鉴，有点像捕捉真理史在艺术史中的投影。 尽管作者并不是一个优秀的“画家”，但如果读者能够在本书中看到作者为人类的艺术精神所作的画像，觉得这是一次对艺术精神的指引与巡游，那将是作者*大的欣慰与鼓舞。

一块3500年前的古埃及雕塑残片，被达利演绎成一张妆如丹唇的沙发；从弗洛伊德的肖像中，隐约可见伦勃朗自画像的深邃目光；洛兰突破二维画面局限的宗教题材画作，使霍克尼风景画的创作豁然开朗；在奥尔巴赫恣意涂抹的油彩中，不难看到中国文人画家大泼墨的豪情挥洒；日本的浮世绘又赋予凡·高的“向日葵”以独特的韵味……艺术大师的创作奥秘为何？我们放眼全球，寻找到在世界艺术史上有重要影响力的，尤其是那些能够影响当代艺术思潮和解读艺术大师的经典作品，推荐给中国读者，以满足读者对艺术大师生平的探究之心，或是对其创作奥秘、艺术手法和内涵的探求之情，亦或是提升自身艺术品位的渴求之望。我们期待这套丛书能够对当代艺术理论研究、艺术创作以及大众艺术阅读与鉴赏产生一定的影响。让我们一起走近大师，走进他们的艺术。

20世纪以来的中国画不断融入了西画因素，其形态发生了多种变异，甚至渐渐模糊了其作为画种的边界。本书围绕“20世纪中国画”这个范畴，思考并探讨下列问题：中国画的类型与流派，它与时代、潮流、地域的关系，它的研究方法，它的传授与教育，它的革新省思等。 作者本着去蔽的精神和追求，探索20世纪中国画学，在理性认知中兼顾“同情的理解”，充分展示了广博的视野与深度的思考。

《站在民众的立场上：朝戈金非物质文化遗产研究文选/非物质文化遗产保护理论与方法丛书》为“非物质文化遗产保护理论与方法”丛书之一种，包含三个篇章，收录著名文化学者朝戈金的民族民俗研究、非遗研究理论、艺术人类学、民族文化学等领域的论文14篇，另有访谈和附录个一篇，是朝戈金近年来主要专业研究的重点呈现，具有相当的学术价值和理论价值。

《时尚：理论与实践》是一部时尚理论与实践研究方面的专著，分为上、下两篇。上篇为理论篇，集中讨论了凡勃仑、西美尔、罗兰·巴特、布鲁默、鲍德里亚、吉尔·利波维茨基、苏珊·凯瑟等人的时尚学说及其彼此之间的复杂关联，努力厘清这一领域的历史演变和当代问题；同时也以中国传统的“道、象、器”理论为基础，对时尚之道、时尚之象、时尚之器等基本问题进行了学理阐释。下篇为实践篇，主要包括作者对各种时尚文化现象的理论分析和批判性考察。时尚理论不是时尚和理论的简单叠加，而是对时尚的属性、本质及其规律的系统分析与认知，是社会学、心理学、美学、设计学、艺术学、传播学、语言学、文化研究等不同学科从各自的理论视角出发，观照时尚现象、探寻时尚发展规律、参与时尚演进的过程，时尚理论的繁荣和发展有赖于各学科思想的交织、碰撞与融合。

《交互艺术设计：符号学视野下的艺术内容设计理论及应用》从符号学的基础理论角度出发，聚焦了艺术内容传播过程中对符号内容和形式的表达，论述了符号表意的理论溯源、艺术内容作为交互对象的符号化编码以及解读方式，并在此基础上进一步探讨了符号学相关理论在艺术内容交互设计过程中的应用方式和路径。《交互艺术设计：符号学视野下的艺术内容设计理论及应用》以微软、安卓以及苹果三大主流平台作为研究对象，结合主流移动平台中交互设计实践，从交互符号的产生、应用、发展以及变革过程，解读了艺术内容交互设计过程中符号的特点和重要作用及其应用。《交互艺术设计：符号学视野下的艺术内容设计理论及应用》在编写过程中还挖掘了艺术在交互符号层面的作用与功能。

本书分为黑暗之路及光明之路两大板块，从看似对立的两个角度剖析凡·高这位伟大艺术家短暂却又精彩的一生，探讨他的幸与不幸。凡·高自出生起便活在哥哥的阴影下，但他从未向世界妥协，始终怀揣着无比崇高的理想寻找真正的自己，以一幅幅画为路标，一步步走向光明。然而，当凡·高的艺术渐入佳境，他的精神却濒临奔溃，最终37岁的凡·高在心爱的麦田中结束了自己的生命。本书最后附有详尽的行程表及年表，从空间和时间两个维度带你回顾凡·高的人生旅程。左拉、米勒、鲁本斯、高更、阿尔托……这一个个在艺术史或文学史上耳熟能详的名字与凡·高有何关联？打破艺术与社会、宗教、文学的壁垒，从各种不同的视角进行剖析，发掘一个真实的凡·高。凡·高是对的，一个人只能为无限而活，并且只能满足于无限的事物。——安托南·阿尔托

《古乐寻幽：吴钊音乐学文集（增订本）》是音乐史家吴钊自跨入音乐研究这一学术领域以来的一些学术文章汇集本。这些文章虽是全部学术活动的一部分，但从中可以看出他的学术之路究竟？怎样走过来的。其中有些见解和研究方法，想或许会对人有所启发。为了能看出自己学术研究的大致过程，各文均按发表年代的先后依次排列。文后附录收录了当今海内外有名学者所写有关自己其他著述的评论或序文，还有媒体记者所写的专访、作者简介和主要学术活动的目录，作为参考。本次出版为增订本，增加了12篇吴钊先生的学术理论文章，原附录部分的“吴钊先生译谱及演奏年表”“吴钊著述年表”亦有内容补充。

表演类型的服装与化装是一门古老的艺术，伴随着演员的表演而出现，是演出活动中非常早出现的造型因素。遥远的古希腊时期，演员们就通过不同的造型装扮来扮演不同的角色，这些起初的服装与化装形式表现出了一定的艺术特征。在剧作家埃斯库罗斯的剧目演出中，演员们开始穿着颜色各异的袍子，脚踩高底靴，头戴面具，用夸张的身材和面部形象使观众远距离的辨认出角色的外在特征，这成为服装与化装功能特性的起初体现；在索福克勒斯、欧里庇得斯时期，演员们则用黑色系的装扮来表现剧中的悲剧色彩，这种通过色彩来表达情感的方式又很好地体现了服装与化装的隐喻特征。不难发现，服装与化装在诞生之初就形成了特有的装饰法则和艺术特征，这些经典的模式随着人类文明的进步不断地发展与延续。21世纪的今天，科技、文化产业高速发展，演出市场日益兴盛，表演服饰的创作在这个关键性的时间节点也发生了颠覆性的变革。设计师在延续服装与化装起初的艺术特性的基础上，结合现实剧目中的规定情境、角色性格特征、舞台观演距离以及观众审美情趣等各方因素，对设计理念、材料选择、创作手法进行大胆的突破和创新，使得表演人物造型展现出独特魅力。在设计师主观创作及受众群体审美的需求下，将这些大胆新颖的设计理念、创作手法进行整理汇总并将其拓展应用到接下来的演出创作当中，是非常有意义的一件事情。《表演服饰造型中的浮雕与镂空艺术》的作者在十几年的院校学习与演出实践中，一直认真、踏实地坚持理论的研究以及技法的创新，将多年来积累的不同演出类型的服装化装经验梳理总结，难能可贵。通过《表演服饰造型中的浮雕与镂空艺术》，更多的从业者或者普通读者可以了解传统服饰造型及现今表演服饰造型设计中的浮雕与镂空造型艺术，同时书中用大量典型的实践案例生动鲜活地介绍了浮雕与镂空的创作理念及表现技巧，对于业内同行有着很强的实用性，对于普通读者也有很高的鉴赏性。