《中国秦腔文化丛书：秦腔传统经典剧目选（上下）》，收录了多篇经典秦腔剧作品。

《马莉莉沪剧唱腔精选》选自二十三部剧目的七十段唱腔——当然，它们只是我所演剧目的一部分，按演出年份顺序排列。不知是不是巧合，1970年爱华沪剧团上演京剧版《红灯记》，让刚满二十岁的我担纲李铁梅，这是我艺术生涯中的第一个女主角；2005年上海沪剧院复演“爱华”版的《红灯记》，时隔三十五年，我从当年的李铁梅“升格”为李奶奶，这是我塑造的最后一个舞台形象。就好像是一种天意，天衣无缝地圆满了我的艺术道路——从原点回到原点，那么圆顺，那么美好，我怎能不珍惜？所以，《马莉莉沪剧唱腔精选》始于《红灯记》，终于《红灯记》，暗合着我的自传《灯，总是亮着》。

《剧场及其复象》是残酷戏剧的首倡人阿铎的代表作，它集结了阿铎1931年至1937年阃发表的有关剧场的论述、宣言以及书信。它不是系统性的理论著述，也不是一本剧场实践手册，而是一场生命宣言，一部投向西方传统文化的挑战书阿铎在此书中所揭示的戏剧观念，启发了无数当代最杰出的剧场工作者，是当代戏剧的重要文献。《剧场及其复象》译者刘俐系影剧方面的专家，译文言辞贴切、行文流畅，为难能可贵的优秀译本。

本书深入浅出地对芭蕾舞进行了全方位的概述，从认识芭蕾舞入手到进行芭蕾舞训练（地面、把上），再到芭蕾舞的作品赏析，对芭蕾舞理论、技术进行了通俗易懂的讲解。 全书分为五大章和三部分附录。第一章为芭蕾舞基础知识，第二章是芭蕾舞形体训练——地面素质训练，第三章是芭蕾舞基本动作，第四章扶把示范组合，第五章为芭蕾舞欣赏。五章之后是附录，分为三部分：芭蕾舞常用术语（中法语对照）、主要芭蕾舞剧索引和主要芭蕾舞蹈家索引。 本书关于芭蕾舞的知识点比较全面，文字叙述通俗易懂，对芭蕾舞爱好者、芭蕾舞初学者都有实用意义，是初步全面认识芭蕾舞、了解芭蕾舞、学习芭蕾舞的一本必备用书。

“雅”与“俗”之间的矛盾与和谐是构成中国戏曲形成和发展的一种重要动力。只是在中国古代，戏曲艺术处在整个文学结构的边缘——至少在通常观念上如此，直到清代中叶花部兴起后，在戏曲内部的“雅”、“俗”分化才真正完成，而整个戏曲艺术在中国文艺格局中的边缘位置并无实质性的改变。虽然刘勰《文心雕龙·时序》所言“文变染乎世隋，兴废系乎时序”是不易的规律，但在中国古代的文艺格局中，以诗歌和史传为代表的正统的文艺形式和文化类别具备了强烈的、对其他边缘文艺形式或同化或抑制的功能。一种艺术样式、一种理论思想，甚至一种思维方式的产生，在某种程度上都是通过对正统的、乃至“雅”文化的依附中来求得自身的发展和提高，并在此期间通过与正统文化的磨合与妥协形成相对稳定的自身系统。可以说，首先是歌诗传统，其次是史传传统，它们共同制约着中国虚构叙事文学尤其中国戏剧的发展，这也正是《宋元戏剧的雅俗源流》的主线。《宋元戏剧的雅俗源流》欲将“叙述动的文艺变迁”作为中心课题，主要的考察对象是构成中国戏剧各因素的雅俗变迁以及影响这一变迁的主要文化环境——不但要注意到这些戏剧要素的各自存在，更主要的是思考它们的合力如何促进了中国戏剧的发展。《宋元戏剧的雅俗源流》在体例设计中既注重个别的剧作家、作品的分析，又着眼于整体的综合考察，力图在两者互相依存的基础上，做到以整体的综合考察为重心；力图运用个别经典剧作来寻机探索更具普遍性的问题。

说唱艺术是我国优秀传统文化的重要组成部分，也正是今天非物质文化遗产保护的重要方面。《中国说唱》对部分说唱种种形成的历史，曲目、书目状况，艺人从艺经历及传承作了简要的记述。目的是想通过这些内容的记述，向读者说明说唱艺术的“艺”，从来都是保留在艺人的身上，并通过他们擅长说唱的曲目或书目具体地展现出来的。

戏曲是中国的特产。它是一种将文学、音乐、舞蹈、美术、武术、杂技熔于一炉、高度综合的艺术，一种载歌载舞、写意传神的艺术。中国戏曲是世界上最古老的戏剧文化之一，它和古希腊戏剧、印度梵剧被称为世界三大戏剧体系。在漫长曲折的发展历程中，戏曲形成了繁多的声腔系统，造就出灿若群星的艺术家，积累了数以万计的剧目，形成了唱、念、做、打，手、眼、身、步、法“四功五法”等独特的表现手段和独树一帜的美学特征。直到今天，全国仍有200多个剧种活跃在戏曲舞台上。本书介绍了中国古代的戏曲知识。

在百老汇，即使一个顶级演员同时拥有三项全能的基本功，并经历多次舞台历练，也不敢对任何一次面试掉以轻心。当演员完全洞悉角色内心的奥秘，充分掌握住了人物的思想感情逻辑，能够深刻地体验角色的心理特征时，就有可能自然地“达到角色的外部形象”。音乐剧的角色体现，是建立在写实叙事美学基础上的戏剧人物创作过程，强调多种表演元素和技能有机整合与角色塑造。戏剧的旋律、节奏与和声表达，对表演整体戏剧呈现具有至关重要的意义。因此音乐剧演员的声乐表演绝不允许像一般流行歌手那样纯粹自我展示，必须通过演唱来表达重要的情感和故事。剧场舞蹈表演强大的抒情功能和戏剧表现力，不仅推进戏剧进程，更为音乐剧整合表演的综合性做出重大贡献。统一舞台呈现是指演员从角色出发，实现全方位、立体化塑造角色设计的形象、举止，对话声音造型、唱腔和舞蹈风格完美统一与整合。演员的演唱、舞蹈均应与戏剧进程和人物形象水乳交融、密不可分。在歌舞、演全方位立体轰炸下音乐剧演员将自己的能量淋漓尽致的释放，体现出任何一种表演形式都无法比拟的情感；中击给观众带来铭记一生的现场体验。当代华语音乐剧表演体系在接受欧美音乐剧（尤其是叙事音乐剧）洗礼的同时，还面临着如何继承、消化和发扬古典歌舞剧和民族歌舞剧的难题。后者是华语音乐剧表演之魂，也是建立民族自尊心和自信心之源，更是先人们用毕生精力、努力和思考加以完善而留下的宝贵财富。“中国特色”是中国原创音乐剧表演未来发展的重要方向，可以促使中国音乐剧表演在美国百老汇音乐剧的成就上更上一层楼，让“无动不舞，无声不歌”充盈整个演出，最终实现音乐剧人与观力“诗意的栖居”。

《中国古典戏曲概念范畴研究》以中国古典戏曲的基本概念为研究单位，分为戏曲名目、戏曲体制、戏曲民俗、戏曲词语五大类，研究了诸如“优”、“弄”、“身段”、“程式”、“插科”、“打诨”这些戏曲专有名词的起源，定义和含义的演变与使用。

作者以继承、发扬中华民族文化传统，增进各民族戏剧文化交流为出发点．在编写过程中坚持了历史唯物论和辩证唯物论的观点，既把各民族戏剧放在中华民族戏剧文化的大背景中加以记述。又写出了各民族戏剧独特的发展历史：在突出各民族剧种艺术形态独特性的同时，较好地把握了中华民族戏剧的共性与个性关系。作者还运用了理论联系实际的方法。注重各时代政治、经济、文化的关系．以及各民族独特的民风民俗和文化传统。他们以文献、文物等历史资料为依据，并与实地调研、考察相结合，以史论结合的论述方式．对云南各民族戏剧的生成与发展历史进行了全面的论证。如在第一章中追溯云南文化艺术的渊源．通过拟态歌舞、巫觋装扮、唐宋风韵等史料内容的钩沉。简要描画出云南戏剧的萌芽与雏形：又如对白族吹吹腔起源的考证。既尊重了前人的研究成果，又注重田野考察、学术论证，最终得出了具有说服力的新论断。因而，本书又具有较高的学术价值。 全书篇章采取以历史年代为纵、剧种艺术为横相结合的结构，分别对不同时期民族剧种的历史和艺术形态进行了阐述。从而保证了全书体例框架的完整性：在对具体剧种的？述中，不仅记叙了剧种的历史沿革，而且还对各剧种的代表剧目、剧本文学、表演风格、音乐特点、舞台美术、演出团体、著名演员、演出习俗等进行了详尽的描述和评价。因而本书具有编排得当、资料丰富、论据充足、论述充分的特点。作者文风朴实、行文流畅，记录了大量的、丰富的少数民族戏剧史料．这就为云南民族戏剧史学的发展提供了坚实的基础．对进一步建设少数民族剧种将起到借鉴作用。