列夫·多金（Lev Dodin）在俄罗斯圣彼得堡小剧院执导的鸿篇巨制《兄弟姐妹》讲述1940年代的故事，首演于1980年代，2017年作为天津大剧院第七届林兆华戏剧邀请展开幕大戏，依旧在料峭的早春时节温暖了很多中国观众的心，也使他们见证了舞台上的一段传奇。伦敦大学哥德史密斯学院戏剧和剧场艺术教授玛利亚·谢弗索娃关于列夫·多金和圣彼得堡小剧院的这本研究专著，揭示了多金的导演方法，详细记录了小剧院作品呈献给公众之前、或者之后，多金对作品进行修改的工作过程和步骤，以及剧院演员的训练、创作和排练方法，并对小剧院的主要作品做了细致的分析。《多金和圣彼得堡小剧院 演出是怎样炼成的/戏剧学新经典译丛》是第一部系统研究世界著名剧院圣彼得堡小剧院及其艺术总监列夫·多金的著作。它使我们看到多金的影响何以能够扩大到他的祖国俄罗斯之外，并带读者深入了解剧院的创作实践。作者在相当长的时间里持续不断地跟踪多金和小剧院的创作，多次观看了他们的作品，把演出中所有的重要变化都记录下来，以此作为分析作品的基础。她还花费大量时间观察了剧院的日常工作、集体创作和排练，记录下排练过程的方方面面，以及演出效果。因为多金秉承了斯坦尼斯拉夫斯基等人开创的“剧院如家”的俄罗斯现代戏剧传统，强调戏剧创作者、演员和剧院全体人员长期、密切的合作。他认为戏剧作品与它的制作者一道成长和变化。因此作者在《多金和圣彼得堡小剧院 演出是怎样炼成的/戏剧学新经典译丛》呈现的就不仅是对艺术家作品的分析和描述，更让读者看到了艺术创作的过程，看到作品如何以及为何完成。作者写作《多金和圣彼得堡小剧院 演出是怎样炼成的/戏剧学新经典译丛》的目的在于分析、记录，而不是评论。书里还以很大的篇幅讨论了多金在国际舞台上导演的歌剧作品。如果没有这一部分，多金作为导演的成就就不完整。

本书由20个采茶戏剧本构成，该剧本是编者及父亲历时数年，行程万里，挖掘、整理、编纂而成。每个剧本按剧情简介、剧中人、剧本三部分构成，藉此展现近百年来湖北省黄梅县分路镇采茶戏在民间传承、展演的基本概况。

音乐剧这种艺术形式已经在中国发展了30多年。其间，除了引进、搬演外国经典音乐剧目外，中国音乐剧人也在不断努力将音乐剧本土化，尝试创作出中国题材中国风格的音乐剧作品。《中国音乐剧发展历程与现状研究》对音乐剧在中国发展的进程进行梳理，论述了音乐剧艺术成长、发展、成熟的历程，从声乐、表演等不同视角分析各阶段代表性表导演艺术家的艺术特色及其成就；并就音乐剧发展状况及其历史变迁脉络以及中外歌剧音乐剧演出交流与合作进行了必要的描述和记叙。

苏珊-洛里？帕克斯于2002年凭借她的《强者／弱者》获得普利策戏剧奖。通过细读帕克斯的戏剧作品，本书选择了帕克主要的六部戏剧作为研究对象，包括历史剧（《第三世界中不可觉察的易变性》、《全世界最后一个黑人之死》），“红字戏剧”（《在血中》、《去他的A》），“林肯戏剧”（《美国戏剧》、《强者/弱者》）。这六部剧具有一定的代表性，有帕克斯早期的实验性剧作，有针对白人男性经典文本而创作的以黑人女性为主体的剧作，有对美国历史代表人物进行滑稽模仿的剧作。本书从苏珊-洛里？帕克斯的戏剧观出发，从主题和创作手法等方面考察这几部戏剧如何利用“重复”的手段“修改”历史，重新揭示历史，从而使读者更加接近历史的真相。

《二十世纪黄梅戏唱腔发展研究（1945-1965）/安徽音乐文化研究论丛》系黄梅戏专题学术作品，以1945-1965年黄梅戏唱腔变化发展为研究的切入点，通过田野调查和文献研究，探讨了黄梅戏从不定腔到定腔规式化的唱腔发展，以及社会环境的变革、新文艺工作者的加入为其唱腔和曲调风格的迅速嬗变带来的影响，并对唱腔发展及历史渊源进行了学理分析，具有一定的学术意义和出版价值。

湖南花鼓戏是湖南各地花鼓戏、花灯戏、地花鼓的总称，具有丰富浓郁的湖湘文化几点和艺术表现特色。湖南花鼓戏的传统剧目共有400多个，这些剧目大多为劳动人民和艺人集体创作。新中国鞥里后，湖南现代花鼓戏也得到空前发展。本书根据湖南省艺术职业学院60多年花鼓戏剧目教学经验，收集整理了以著名花鼓戏老艺人何冬保等为代表的多位名家经典剧目，力求全面完整地传承花鼓戏。本教材包括剧目特色、教学目的、剧情简介、人物分析等12个部分。力求引导学生从基本模仿进入创作体验，为他们将来成为高素质综合型人才打下坚实的理论与实践基础。

《余音绕梁：从学唱京剧谈起》的内容、特点如下：一、对京剧唱腔的基本板式及其特点、京剧唱腔节奏的重要性和在演唱中如何掌握板眼技法等问题，结合唱腔实例，做出了分析和诠释。二、对字音的头、腹、尾及在演唱中如何根据字音的头、腹、尾进行吐字发音做了诠释；对四呼及四呼在吐字发音中的重要性做了说明；对尖团字、上口字及适度发音等问题，从实用出发，尽可能多地举出实例予以说明；简要地阐述了十三辙的来源，强调了在演唱中归韵收音的方法及重要性。

《侗戏丑角研究》具有填补研究空白的意义。纵观东方戏剧的代表——中国戏剧，她是一种典型的角色戏，尤其是其中的丑角，不仅是中国戏剧的核心生命力所在，有“一个丑角救活一个剧种”之说，是中国戏剧z为原始的角色和原动力，还是中国“乐感”文化z为典型的艺术形式。本书从丑的生发与文化建构、丑角的类型、丑角的朴素呈现——表演与文本视域中的侗戏丑角、丑角的村落接受与阐释——接受视域中的典型丑角、丑角的功能与意义几方面出发，思考如何更好的将侗族的艺术瑰宝——侗戏和少数民族文化发扬光大。

《李国修编导演教室》是李国修四十年剧场修行笔记，也是完整呈现其一生创作思维、导演理念及表演历程的第一手资料。全书根据李国修编、导、演的教学讲义整理而成，以第一人称撰写，尽量还原其在课堂上的口吻。李国修通过自身的舞台经验、作品范例、人生经历等，系统地阐述了其创作理念。这些理念历经实践的检验，并在失败的教训中不断地得到修正。 编剧课上，他深入浅出地示范了“说什么，比怎么说重要”，让剧本回归“人味”；导演课上，他提出“导”引创作概念并整合“演”出元素，倡导永不满足的创作精神和不断建立与推翻的导演风格；表演课上，他主张透过认清第二自我找到正确的生活态度，达到演员与角色的心灵契合。他始终相信，戏剧是一门关于“人”的艺术，无论呈现何种美学形式，其核心都是在探讨人性。因此，本书不仅是一本戏剧创作的实用手册，也能使读者更新对人生的体认。

演员是观众的镜子，暴露隐秘的自己，是为了让观众看到他们自己。作者通过回溯个人演艺生涯及人生经历，深入剖析了“成为一名演员”是怎样一趟旅程，让表演者更加了解这份职业，也让普通人理解为什么一个人会想要当演员。作为一本回忆录式的演员入行指南，书中没有只奉行某一特定派系的方法，而是鼓励表演者发现自己个性和能力的独特之处，从而找到个人化的工作方式，活出不一样的戏剧人生。