一、谈技巧？？？？问：有些听众觉得你弹琴的姿势很做作，我们一向看惯了，不觉得；你自己对这一点有什么看法？？？？？答：弹琴的时候，表情应当在音乐里，不应当在脸上或身体上。不过人总是人，心有所惑，不免形诸于外：那是情不自禁的，往往也并不美，正如吟哦诗句而手舞足蹈并不好看一样，我不能用音乐来抓住人，反而叫人注意到我弹琴的姿势，只能证明我的演奏不到家。另一方面，听众之间也有一部分是“观众”，存心把我当作演员看待；？他们不明白为了求某种音响效果，才有某种特殊的姿势。？？？？问：学钢琴的人为了学习，有心注意你手的动作，他们总不能算是“观众”吧？？？？？答：手的动作决定于技巧，技巧决定于效果，效果决定于乐曲的意境、感情和思想。对于所弹的乐曲没有一个明确的观念，没有深刻的体会，就不知道自己要表现什么，就不知道要产生何种效果，就不知道用何种技巧去实现。单纯研究手的姿势不但是舍本逐末，而且近于无的放矢。倘若我对乐曲的表达并不引起另一位钢琴学者的共鸣……

本书为著名摄影大师王健材先生积数十次登上黄山所创作的黄山四季精美照片的选辑。以先进技术印制，质感和样式上都有着特别的时代审美风格。全书收入摄影作品百余幅，以“天姿神韵篇”、“云海沉浮篇”、“天外观天篇”、“小品大观篇”等六个大的篇章分类。每一篇章集中在这一主题下尽揽黄山胜景。“天姿神韵篇”所收作品都是以登高望远之势去表现黄山揽天下宏观、壮丽于一山的整体风貌，暮色、云雾、朝阳、冬雪等等景色之下的黄山，给人以仰观宇宙之大的感叹。比较起“天姿神韵篇”之整体大观，“云海沉浮篇”、“奇松怪石篇”、“小品大观篇”、“银装素裹篇”则以局部视角具体刻画了黄山的奇松、怪石、云海、飞瀑的绝妙风姿。由于摄影家常常是在同一场景的反复拍摄和反复观察，并且是每次去同一场景都有不同发现，所以书中收入作品的景色、光色、构图都有一种朴实、自然的审美特点。“天外观天篇”更是壮阔绝伦的黄山风光摄影精品，王健材是从天空拍摄黄山的第一人，这决定了他所拍作品在黄山风光摄影中是独领风骚的。《气吞山河》、《高路入云端》、《如练弯弯千万里》、《大地音符》等俯看云海、山路弯弯、曲转河溪、山间片片水田的景象，让人惊叹大自然之伟大、神奇和美妙，“黄山天下奇”也就更具奇趣。

《莎士比亚画廊》这本版画集终于在我耄耋之年印制了出来，我是至感喜悦的。1948年冬天，我从上海潜行来到北京（当时称为北平）避居，有意无意之间在琉璃厂一家旧书铺里发现了它。那是本印有45幅钢刻版画的大型图书，每幅都印在厚厚的图书纸上，前衬一页为图题，后垫一页摘引原作词句，伦敦J·S·维尔脱公司出版。虽然已经相当破损，但仍掩不住当初用纸的讲究，装帧的典雅，尤其是精致的版画十分迷人。我就高兴地购回收藏了起来。北京古都旧时常有外国外交官员、传教士、教授等人士居住，想来就是他们从海外将这本书带来，而当时局几经变化，最后原主撤离时也就流落到旧书铺里了。我的朋友陈晓南同志是留学伦敦专攻版画艺术的，甫自学成归国任教于中央美术学院，我请他予以鉴定，他说这种书印数极少，他未见过，现在即在英国恐怕亦已成为稀有的珍品。洪深教授见了也大加赞赏，认为今后欲演莎士比亚的戏，不论在人物形象、衣着服饰以及楼台亭阁布景等方面都有着极高的参考价值，他还为之考证出版年代，在给我的信上说“此书出版时期当在1880年前后——末图所刻John.Q.A.Ward所塑之像作于1846年，而书名莎士比亚的拼法，少一个a，这在1890年代已不再流行。”威廉·莎士比亚（1564—1616）是英国文艺复兴时期伟大的戏剧家和诗人，一生创造了无数人物，写出了社会各阶层许多复杂的事情。十九世纪英国著名画家皇家科学院的艺术家们莱斯利（C.R.Leslie）、麦克列斯（D.Maclise）和科普（C.W.Cope）等从他的剧本和诗作中汲取题材，据以绘成图画，而由罗斯（C.Rolls）和夏普（C.W.Sharpe）等能工巧匠精雕细刻制成的一幅幅精美的版画。《画廊》除了莎士比亚的肖像、塑像、环球剧场和一首十四行诗各一幅外，都是莎翁笔下栩栩如生的人物形象。他们的衣着佩带表现出各自的身份，他们或喜或悲的神情也透露了出来，当与浮云、树木、城堡和宫殿等场景交织在一起时更营造了一种特定环境的浓郁气氛。名剧《哈姆莱特》戏中戏的那一幅，王宫里聚有男女老小三四十人凝神观看小戏台上的演出，各人有各不同表情，哈姆莱特的沉思，丹麦国王克劳狄斯的恼怒跃然可见，也似可感触的一般。再如《第十二夜》一剧中奥丽维娅掀开面纱瞬间，一个端庄面带少女含羞的可爱形象便出现了。这之外，还有奥瑟罗、李尔王、夏洛克、朱丽叶等等，真是美不胜收，百看不倦……这就时不时招来了一些前来借阅的，有一个剧院接着又有一个出版社还请摄影师来我处照拍了全书，作为资料收藏哩。我是搞戏的，爬格子的，也曾弄过出版工作，既然收藏有如此难得的好书，自然地产生了予以译印的念头。我认为将名著名画名刻介绍过来是有意义的一件事。可是此事艰巨，在那时节阻力不少，我无能为力。1961年“新侨会议”和1962年“广州会议”澄清了文艺和出版工作上的一些问题，我又重读了《画廊》以及莎翁的一些作品，并随手作了些笔记从而增加了对它的认识。1964年4月为莎士比亚诞生400周年，国际间推举他为这一年的世界文化名人，要在世界各国举行纪念。人民文学出版社为此准备编印一套十一卷本的《莎士比亚全集》，郑效洵同志特来向我借用这本画集，制版用作插图，我自然乐于同意。可是后来情况有变，全集缓出，接着便是十年浩劫，在一片混乱中原已制好的几十块珂罗版玻璃被砸烂，以致1978年《全集》问世时，读者看不到什么版画插图了。功败垂成，深感遗恨。想不到后来我又有机会看到的，那是范用同志从当年垃圾堆里侥幸捡到的一份玻璃版的印样，分贴在一本漂亮的小册子上，拿来问我什么。我受到感动，遂在每页空白处主要依据朱生豪先生的译文填写了说明。更想不到的是这位老出版家事隔多年之后以之推荐给河北教育出版社，于是我找出了劫后幸存的原书，经出版社详细安排，认真从事，克服了种种困难，竟然大体上按照原书模样印制成这本精美的画集，了却了我几近半个世纪的心愿。

片断：中国画历来推崇的中锋用笔，是指执笔端正，笔锋基本上在笔线的中间。这种线饱满、丰实、壮健，取其圆、厚、重，多用于表现结构和运动的主线。侧锋用笔，是使笔杆倾斜，甚至横卧，不但用笔锋，有时候也用笔身乃至笔根接触纸面，笔锋常偏向线的一边。这种用笔变化多，既可画出线又可画出面，具有表现力强、变化丰富生动的特点。逆锋用笔，是笔锋在前逆向而行，与通常用笔方向相反，既可画中锋笔线，也可画侧锋笔线。这种用笔由于笔锋在推进中遇到阻力散开，就有变化较丰富的飞白效果。这种笔法比较滞涩、泼辣，多数是结合其他用笔运用的。以上三种笔法，在作画过程中，经常是综合交替运用的。有的花鸟画的勾勒，可以基本上使用中锋用笔，但是，单一使用侧锋或逆锋的还不多见。必须根据内容表现的需要，恰当地把多种笔锋运用结合起来，才富有表现力。由以上三种笔法变化出的点、厾两种笔法是写意花鸟画中常用的表现技法：点，在中国画里是相当重要的一种笔法。所谓点是用中锋把笔端从上往下落到纸上，点好后，笔就离开纸面，不要停留，一停就僵。花鸟画里的点法很多，有吻点、卧点、戳点、捻点、揉点、散笔点等。吻点是用力较柔、用笔较缓的点法，适合于表见花、叶、鸟体；戳点是用力较猛、用笔较快的点法，适合于表现飞鸟的羽毛及有动感的花叶；卧点是使笔腹一侧接触纸面的点法，适合于表现较大些的体面；捻点和揉点是用笔点下后再捻动或揉动的点法，适合画梅、桃、杏、海棠、樱花这类小花瓣和小叶；散点是用笔锋散开的点法，适合于表现苔草之类的不定形状。无论何种点法都要结合书法的用笔方法进行运用。要使笔笔之间相互照应，连贯一气，笔断而意不断。厾，指运用大胆肯定而又准确的落笔，将墨色大块运行于纸上的方法，是写意花鸟画表现大面积墨色、产生恣肆酣畅效果的重要表现方法，且最易产生墨、色、水的气韵，造就画面整体的气势。可以单独用墨或单独用色厾写，亦可色墨混用厾写，适合于表现芭蕉、荷叶、石头、大花、大叶等形象。（二）墨法：墨法就是用墨的技法。清沈宗骞说：“用墨之妙，在于以墨随笔”，说明用墨与用笔是分不开的，墨法是通过笔法来完成的。用墨与用水的关系也很大，笔、墨、水三者的巧妙运用，才有“墨分五色”之说。即由于笔含的水墨多少不同，墨色可以呈现出从浓到淡五个层次——焦、干、湿、浓、淡。这是大体的划分，实际运用起来，深浅的变化还会更丰富。墨的运用宜在单纯中求复杂，在统一中求变化。一般以一种墨色为主，兼用其他，局部的变化不宜过大，大了就会“花”而“乱”，失去整体感。对用墨的要求：干墨不枯，须腴润、不焦躁；湿墨不滑，不能涣漫、无笔力；浓墨不浊，不能呆滞、要笔迹分明；淡墨不薄，要有厚度、见骨力。花鸟画常用的墨法有：浓墨法——墨中掺水少，色度较深，用以表现物象的阴暗面、凹陷处和近的物象。本书前言序学习中国画有两种主要方式：写生和临摹。写生是直接描绘现实的人和景物，临摹是照着前人的作品临习摹仿。写生的对象即世间所见，一切都是现成的。临摹，则需要有范本。这部《新芥子园画谱》就是供自学临摹用的一套范本。这套范本所以叫《新芥子园画谱》，是相对于《芥子园画谱》而言。现在年纪稍长的画家都知道，《芥子园画谱》是一部曾经流传很广，影响很大的画谱。从一六七九年最初木版刻印到一八九七年发行石版本，其间经过四次大的增补修改，收入山水、竹兰梅菊、花鸟翎毛和人物等画科，编成四集出版。该书山水部分的画稿原是明代一位画家课徒用的画稿，为清人沈心友收藏。沈请人整理增补，套版精刻，以为范本，遂得到他岳父著名文人李渔的支持。李渔为该书作序，并取自己在金陵的别墅芥子园之名，称之为《芥子园画谱》，后来也称《芥子园画传》。在画稿前还编入了画法和画论，这很适合于初学者的学习。在没有美术学校的旧时代，初学绘画只能靠师徒相授受，耳提面命，口传身教，能有一部画谱自然是特别需要而珍贵的了。类似的画谱，在民间还流传了不少。如明代万历年间顾黯然编临的《历代名人画谱》、清初上官周编的《晚笑堂画传》，以及后来的《百尺楼丛画》、《马骀画宝》等。但都没有《芥子园画谱》著名。这反映了《芥子园画谱》自有其优长，如在讲述画法时采用分解法，从简到繁，由浅入深，循序而渐进。每科又分门别类，条分缕析，比较清楚。讲授画法与画谱结合起来，相得益彰。这是它比其他画谱高出一筹的地方。但是，当今天我们再翻阅这部画谱时，的确感到它已经上了年纪。它的不足之处已经显而易见。首先，以木版石版印制，没有墨和色，等于没有表现出中国画的完整面貌；其次，范图的选用十分有限，且因摹本制版而失真，与汇集历代名家真迹相去甚远；其三，各集编选水平参差不齐，山水集略好，竹兰梅菊集次之，花卉翎毛集又次之，人物集不佳，以至有充凑之嫌。此外，其教授法也显得单调陈旧，只讲摹仿，不涉其他，易导致忽视写生的方法和创作的根本目的。所有这些，对于今天的学画者，已经不适应了。《新芥子园画谱》的编著者起初是想对日的《芥子园画谱》作一些修改和增补，但在编选过程中，他们越发感到仅作些增补和修改远远不够，便又重新策划，再设方案，使新本脱胎换骨，另标新异。别看书名只多了一个“新”字，其内容却已经发生了质的变化。这套《新芥子园画谱》是一部传授中国画技法的简明而系统的教材和初学者自学的范本。贯穿在全套书中的一个指导思想，就是编者所认为的学习中国画的目的在于学会自由创作，临摹和写生是通向自由创作的过程和手段，从而，这就给临摹作了一个定位。我们既不可忽视临摹这个学习中国画的重要方式，又不能将其当作唯一的方式，更不可视为目的。学习不可不借鉴前人，这是继承传统的基本途径，同时还要师法造化，重视写生，这也是艺术创作的源泉。所以，在这部《新芥子园画谱》中，增加了写生的内容，而且占有相当的篇幅。临摹和写生如同舟之双桨，学画者靠协调地把握它们，才能驶向自由创作的彼岸。在这样的前提下，学习者可以循着书中所设的步骤，逐级而上。编者保留了原来画谱中的分解教授方法，又融进当代中国画教学的经验。各卷中依次设有概说、画论、分类画谱，名家真迹等。有时叙说，有时图示，有时在图旁略加指点，图文互相参照，相辅相成。所以，实用性是这部书的第一个特点。《新芥子园画谱》是普及中国画基础知识的文图并茂的普及读本。人们都知道中国画是中华民族智慧的结晶，是中国文化的一个重要组成部分。但对于一般读者来说，难有更多的时间和条件对中国画进行深入的了解。有些专业性的书籍对他们偏深而较费解，另一些零散的书画册页又嫌支离。这部《新芥子园画谱》将包括山水、花鸟、人物三科在内的中国画作了比较全面而系统介绍，又绘声绘色。每卷中有简易明了的概述，后面有历代名画真迹，读者可对中国画各科的来龙去脉，各时期的主要流派、风格、样式有较全面的了解。翻开这部画谱，有如读一部中国画的小百科全书，有如走进中国画的一个小小博物馆，会使读者眼界大开。所以，知识性是这部书的第二个特点。《新芥子园画谱》是中国历代名家名作撮要的画典。每卷都选入了该画种历代最有代表性画家的作品作范本，并按照类别排列，这可以使学习者和研究者加以类比，看到不同画家在同类题材作品中的表现手法所具共同之处和差异。在真迹部分里，作品又是按照时代顺序而排列的，读者可以看到中国画发展的大致脉络，看到中国画发展演变中具有怎样的内在联系。在某种意义上说，读者可以把它当作中国画发展史的画册来读，当作历代中国画图录来观赏、来品味，因此，鉴赏性是它的第三个特点，从而，这部书也具有一定的收藏价值。熟悉《芥子园画谱》的读者，翻阅本书时，会有一种新鲜感。这种新鲜感便是该书对二十世纪得到重大发展的中国画新面貌的反映，是对中国画在表现技巧上新进展的反映。自从本世纪三十年代西方写实画法西来，五十年代苏俄绘画引入，中国画受到了不寻常的影响。特别是中国人物画，从六十年代以来发生了重大的变化。八十年代，西方现代主义又涌进国门，在一定程度上也影响了中国画的发展。艺术观念的更新以及创作思想的活跃，必然也反映到艺术的表现形式上来。所谓新鲜感就是这套书中所体现的时代气息和艺术活力。这套画谱的编绘者大多是画家兼编辑，他们有过学画的亲身经历和感受，又有编辑的丰富经验。主编和副主编都在出版部门担任领导工作，有选定、组织和编辑出版重点图书的胆识与魄力。他们苦心经营，历经两载寒暑，终于编成了这部《新芥子园画谱》。祝愿它能接过已经跨过了三百年的前驱者手中的接力棒，朝向新世纪，再迅速地奔跑。邓福星丙子深秋识于京华恭王府院

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在绘画艺术领域中，各个画种品类繁多。特别是近代艺术家在不断探索过程中，又出现了许多新材料和新技法。本书重点从水粉画这一科目着手，以水粉静物画和肖像画为实例，就实用性技法进行实际操作，可使你从中体会到水粉画的作画过程和拓宽你观察客观实物和理解色彩的能力，也定能使你在水粉作画过程中有突破性进展。这里首先要研究一下水粉色的结构和特点。色粉是由两种形式存在：一是天然矿物质和植物。另一种是化学合成物质与适量的胶质及水结合形成的水粉颜料，其特性是覆盖力强，适合中短期作业使用，耐用性较差，透明性较差，对表现重色画面有一定的难度。分析以上的特点，我们可以断定，水粉色在作画过程中，色彩的饱和度与水分的使用有着直接的关系。这需要我们掌握它的特性，在实践中去摸索，才能使它的特点充分地发挥出来。<

《马双喜书法作品集》主要收录了马双喜的作品。楷书临北齐河清三年造像记轴、行楷虞世南咏蝉诗斗方等。

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展现在我们面前的是程十发先生作于乙亥（1995年）的一件山水画精品。说它是精品，显然是可以取得大家共识的：这样的作品一跃入眼帘，就能紧紧地抓住欣赏者，使人感到一种摄魂夺魄的强大艺术魅力。作者对于构图中的“计白当黑”法则运用得极其高明娴熟，在这件作品当中，作者调动着大量细微繁杂的艺术处理手段，让它们在自己的妙手调合下，组成了一首寓新奇于传统、融意外于情理的雅曲。程十发先生曾说过，他的国画是在上万张的连环画和插图的创作实践中磨炼出来的，“在普及工作中提高了我的中国画技巧”，我们从这幅作品中可以看到，画家娴熟运用着他独特的“程家线描”，在一根线条中，蕴谱了粗细、干湿、畅涩、短长、轻重、浓淡等等诸多的矛盾，纵横驰骋，自由凝炼。而对于用色，十发先生也总结出一套独特的方法，使画面呈现出绚丽又古艳的效果。仔细欣赏这幅作品，我们发现，画面近景的山石、坡水、树木、屋宇，画家都不厌其烦，描摹得极其精细而富有韵律节奏；远景的远山云朵，只用淡淡墨彩，却令人在这色与墨的块面中体察到丰富的内容，不由得使欣赏者由衷的钦佩画家手段的超卓。无怪乎著名的程十发作品收藏家陆牧滔先生要将这件作品著录在1997年11月由上海书画出版社隆重推出的《程十发·陆牧滔藏品第一集》中，并且将作品印作封面，拍摄了局部，以令更多的欣赏者体味这件作品出众的艺术魅力。程十发先生的画风被人们评作“菇古涵今，独卧蹊径”，是毫无愧色的评品。在中国画的传承与创新的过程中，可以试问，在人物、山水、花卉、动物诸画科中皆能且皆有高超成就的大师人物，多少年才能出现一位呢？而以笔者的调见，程先生的山水作品所蕴含的艺术信息量是在其它类型的作品之上的，更遑论象《秋山古木》这样的精彩绝伦之作了。