9月14日至10月8日，“具象的当代性·第三回”在上海徐汇艺术馆举行。这是“具象的当代性”这个主题自2015年开启以来的第三个年度展览，由上海油画雕塑院美术馆副馆长傅军担任策展人，11位中青年艺术家参展。与前两届不同的是，“具象的当代性·第三回”探讨的话题从具象油画拓展至整个具象艺术范畴，参展艺术家也从上海扩展至全国。展览开幕当日，参展艺术家及嘉宾就“具象的当代性”这个主题进行了讨论。
参展艺术家肖敏提出：“具像的当代性”这个主题背后隐藏着一种焦虑心态，而今艺术手段变得更加多元，但艺术家却似乎没有变得更加自由，艺术标准的多元化，让艺术家更不自信，需要依赖外界坐标来肯定自己。参展艺术家石至莹认为：我们处在非常多样的艺术生态环境里面，但每种风格有自己的逻辑，在这里面，评判好坏依然是回到绘画最原初的根本，比如造型、色彩，或者是气息，艺术家现在的目的就是要把自己这一块做深。
艺术家王劼音则表示，学画的时候会讲究透视、结构、色彩、造型，但归根结底，绘画的表达还是跟个体的生存状态有关，因此，抄袭和借鉴是行不通的。参展艺术家张晨初提出，因循守旧或抄袭国外都是不可取的，应该坚持中国的、接地气的当代性，其中坚持独立性很重要。
王劼音（上海大学美术学院退休教授）：
画面的深度，跟画家的生存状态有关系
早期学画的时候要透视、结构、色彩、造型，画面构成要弄的很好。画到后来觉得不是追求这种东西，要追求深层次的东西，但是什么也讲不出来，这个事情很玄妙，很难讲清楚。
比如北京有一个画油画的朝戈，他也画人体，也画肖像，他画出来的东西，就觉得不知道有一种什么东西在里面，很厉害。我还跟他一起写生过，他慢慢拿个小笔，画茶农采茶。按我们过去审美观点，这个地方是不能画的，他在太阳下面慢慢弄，弄出来一张画很笨，而且有一点难看。
我很难讲朝戈这种人好在哪里，只能自己体会。就比如画苹果，就是不一样，画的鸟也都不一样。我想这是不是跟一个画家的生存状态、生活方式也有关系的。
有一次开双年展，外国有一个叫马琳·杜马斯，总觉得这个人很厉害，也说不出来有什么好。现在这种画蛮多的，还是跟她不能比。什么原因？后来我看了一点材料才知道，像这种杜马斯这种人，包括西方还有很多人是什么状态出来的。就是60年代法国搞运动，年轻人心情觉得很压抑，对未来看得不清楚，吸毒、同性恋，她弄的变形东西跟她的生存状态吻合。如果现在有个人日子过得很好，想画灵魂扭曲是不行的，只能表面模仿弄这种东西。所以我感觉画画到后来要研究画面后面的那一层东西。
傅军：其实我们可能更要关注这个作品跟艺术家生存状况、生活方式的关系。你再进行创作的时候，可能会更挖掘自己真正想要表达什么。
白璎（参展艺术家，上海大学美术学院国画系副教授）：
国画的纯粹基因还是要保留
这么多年来，画人物画，主要还是画我关注的东西，而且我画的题材大部分都是都市题材，尤其以女性为主，从男性角度关注女性。我觉得画人物画对我而言更多只是借壳而已，我更加多关注的是人物的内心刻画。我只关注当下的感受，我觉得感受到了，我就去画它。所以我更多是从个人的角度去演绎。
现在这个时代，艺术表现是多元化的，具像作品肯定面临挑战，因为大家的审美习惯改变了，从以前的单一向多元转变，视觉经验改变以后，反过来对具像创作可能会有更高要求。另外一方面，在这种大的背景下，怎样更好保持国画的纯粹经验图式，我觉得也是一个很重要的环节。在多元化情况下，很多国画已经不是国画了，但我觉得，它的纯粹基因还是要保留的。
我是学院老师，有时候自己的创作跟教学有关系。我就谈谈国画。国画现在有两种类型：一路还是按照传统基因的要求；还有一路就是摆脱，完全颠覆，没有标准，实际上就是没有国画标准，这样就会打乱我们国画原有的审美和形式语言。语法没有了，怎么叫中国画？中国画如果要走到成熟、给人认可，需要花很多年工夫，光一个线条就让你练很长时间。很多人耐不住寂寞，不愿意这样做，就弄一个没有标准的，现在很多作品都是这样，所以我会谈到这个问题。
傅军：我觉得以往我们无论是美术还是什么，要花大量的时间做基本功。艺术家其实在丰富当代性的可能性，以前我们是可以根据经验判断的，未来不是经验可以判断的，未来的可能性，我觉得未来价值就在于有很多可以可能性。
白璎，涉No,1，纸本设色，2015
王大志（参展艺术家）：
通过画面，表达我们的生存状态和认识
到底画画是为了什么？我理解艺术就像文学一样，文学用文字表达对世界的认识，我们做艺术，就是通过画面，或者是绘画图式、形象来表达我们生存状态和认识。
前几天有一篇文章写道：没有人需要艺术，除非你自己需要。我觉得这句话讲的很有道理。我们做艺术更多是从自己出发的。没有人一定需要这样的艺术品挂在家里。就像王老师提出，经过时间的推移，可能会在画面上会体现出更加本真的东西，自己想要的东西，或者自己的生存状态。
就我自己而言，我这次参展作品以多肉植物为主。近年，多肉植物比较流行，是一种时尚的植物样式。在本身希望通过绘画可以表达传统文人的生存状态或是审美趣味。虽然是油画，但也是中国人、当下人在画油画，还需要从自己的文化背景以及自己的生存状态出发。我平时就喜欢种植物，在家里、办公室都种植物。对于植物我有一点自我映射。
王大志，游花观景之二，布面油画，2016
孙丁一（参展艺术家，工作生活于杭州）：
从云南到江南，环境变化对我的影响
我去年从学校里面刚走出来，研究生毕业，还属于探索的阶段，现在整个画面的感觉相对来说比较稚嫩一点，和前辈相比还有很大进步空间。
从画画的角度还有方式，跟自己的学术经历有关系，之前也是在国美附中学习，但是因为初中阶段没有用功就没有考进国美，就去了另外一个大学，有两边地域差异，画画时不能像他们那边特别表现的画的东西，相对来说比较基础性的东西做了一下训练，东西没有办法放的开，在那里自然环境对我比较震撼，
本科的时候，到云南一些地方写生，那边的自然地貌各种环境对我影响很大，包括色彩运用、包括图式构成，对我都有比较大的触动。在那边空气比较好，天空的颜色，包括在非常乡土的地方，晚上没有任何灯光，星空非常漂亮，特别适合用一些表现的方法表达当时的感受。
大学毕业之后，到中国美术学院继续研究生学习。这边江南特有的气质又跟云南不一样，表达的方式又需要进行探索。江南特有的风雨，蓝绿色的整体氛围，表达这种东西的时候不要去思考。
孙丁一，上海自然博物馆NO.2，布面油画，2016
林森（参展艺术家，上海油画雕塑院雕塑创作室创作员）：
每个艺术家都在寻找自己心中的彼岸
我最近一直在做的就是探讨人与物之间的关系，我选择的都是平常熟悉的物品，但是我想打破这种东西，比如我作品里面会出现人物或者是人和物之间比例的不协调，或者是物体的颜色可能会找一些反常规的表达，之所以选择具像手段，我觉得也这是从美院一直以来的训练过程。我觉得我们每一个艺术家可能都是在寻找自己心中可以达到的彼岸，可能可以划船去、坐车去、坐飞机去，就像学佛的人，有的是学习禅宗，有的可能是藏传佛教，都可以通过不同渠道达到彼岸。所以我感觉采用什么样的手法也并不是很重要。我还是喜欢坚持用自己比较熟悉的表达方式。
林森，片刻，树脂，2017
肖敏（参展艺术家，任教于上海大学美术学院雕塑系）：
“具象的当代性”主题背后是一种焦虑心态
我感觉，“具像的当代性”这个主题背后其实是一种焦虑的心态。就是：具像在当代怎么玩？像这种问题的提出，早几十年是很难想象的。那个时候，具像哪里有什么忧虑，要焦虑也是抽象的焦虑。当时在中国，具像或者写实，天然就具有一定的合法性。如果一个美术学院学生的素描画不好，基本上老师会觉得你这一辈子一点前途都没有了，但是现在，我们也在学校当老师，看到有些学生就是画不好，也不爱画，但是好像也挺聪明，挺有才气。我肯定没有以前老师的自信，说你画不完肯定完蛋。很多人这样也都过得挺好，还是有可能成为艺术家，也可以成为不错的艺术家。有些标准变了，选择也更多了。
现在艺术手段多了，什么手段都可以使用，但是反过来说，我们是不是更加自由了？好像也谈不上。手段虽然多了，但是标准也更多了，很多东西很难去做评判的时候，你就会很焦虑。老一辈艺术家坚信自己做的事情是对的，我们现在的艺术家当中这种自信可能就比较少了。
我们年轻的艺术家，可能更加依赖外界坐标肯定自己，确定自己做的事情是对还是不对。
原来大家会觉得这个目标很明确，擂台就全国美展这一个。刚学画的时候，每一个人的画册翻开来都是全国美展获奖作品，获奖艺术家就是艺术明星，现在这个擂台也快倒了，标准也很多了，问题也就更加复杂了。
傅军：提出一个悖论：手段多了，表示方式、观念更加开放，看上去更加自由，但是却越来越不自信了。
肖敏，世界观——鸟笼，竹，2013
石至莹（参展艺术家，工作生活于上海）：
我们要把自己这块做深
现在有意思的就是我们处在非常多样的艺术生态环境里面。像肖敏说的焦虑，我刚开始也会有。王兴伟的画，我刚开始都看不懂，之后你会发现，他有自己的逻辑。进入他的逻辑里面，才会发现，其实他这样说是成立的，或者这样表达是有效的。大家看北方艺术家，会发现很多艺术家也都是像王兴伟那种风格，但这里面还是有好有坏，回到根本来看，又是绘画最原初的，比如造型、色彩，或者是气息。其实根本没有变，只是现在的述说逻辑方式不一样，有些艺术家可能是通过艺术史进入，或者是以观念为主，或者像现在90后艺术家，更加偏向图象逻辑。用不同的画说一个事情，所以没所谓谁对谁错。上次我和一些朋友在聊，现在的艺术生态丰富，所以有非常多样式，对于我们艺术家来说，现在的目的就是要把自己这块做深。其实我们完全可以建立自己的游戏规则，现在没有谁来定这个游戏怎么玩，其实也不是体制，而是你自己决定。这点来说，我觉得还是蛮好的，看到那么多不同的东西，觉得还是很有意思，至少满足了我的好奇心。
石至莹，小白石1，纸本水彩，2016
张晨初（参展艺术家）：
不活在过去不抄袭国外，坚持中国的当代性
我自己有时候会考虑这个问题，现在越来越坚定感觉，我们画画不是为了美术，就是为了记录历史，有一种使命感。这种历史记录方式不是一般人可以做到，只有站到我们这个角度，做出来的事情特别有意思。很多不能说的、不能发展的东西，可以隐含在画里面感悟出来。绘画有什么意义，为什么画画，对我来说很简单，就是记录历史，记录当代。
还有一个就是当代性的问题。画油画主要是两批人，一批人脑袋活在上世纪80、90年代，没有进入新世纪，包括写实画派很多人就是重复以前，活在老时代里面，没有活在当下。还有一批人生活在当下，但是他的当下是抄袭国外的，或者是受国外影响比较大的，这一类也特别多。
真正坚持当代，就是坚持我们中国的当代，坚持接地气的当代，这一点做到不容易。更加重要的是独立性，语言上独立性，或是题材、内容上独立性，或是价值观、文化立场上的独立性。更加重要的是前沿性。当代性的高标准，就是前无古人后无来者。
张晨初，世界角色 特朗普，2017
潘劲农（艺术家，生活工作于上海）：
艺术就是要在冲突当中建立
“具像的当代性”这个主题是针对现在抽象好像很火的前提提出的。实际上我觉得这个问题很有意思，抽象觉得没有什么所谓的当代性，因为它永远都是存在的。具像对当代性的表达我觉得是非常有挑战性的命题，也就是说：我们到底怎么表达当代性？
具像经过这么多年的发展，实际上已经非常落后。社会在变化，具像作为一种艺术形式，也得跟进社会发展，所以当代性变得很迫切。尤其中国具像的当代性提出时必须要看整个国家文化发展，在一个文化、观念、经济、道德、社会发展都在冲突的环境里面，对艺术家来说是一个非常好的时机，因为艺术就是要在冲突当中建立。如果把艺术的目标放的高远一点，就是代言，你可以代言这个时代，或者一部分的观点。
策展也是这样，可以加大这种冲突性，或者是焦虑性，让大家觉得有一点紧张，我觉得倒是一个真实社会形态的写照。（文/朱洁树）
